For hvert på hinanden følgende år vokser Art Basel Miami i størrelse takket være dens popularitet og det hurtigt voksende antal samtidige kunstudstillinger i byen. Efterhånden som begivenheden er blevet en hvem er hvem af kunst, design og mode, er selve messen vokset og tiltrak mere end 82.000 besøgende i 2017. Showet indeholdt 268 gallerier fra 32 lande, hvilket gjorde det svært for os at vælge en håndfuld kunstværker til fremhæve. Ikke desto mindre er her et udvalg af stykker, der fangede vores opmærksomhed af en eller anden grund.
Hvert år er der mindst ét stykke i stor skala, der fascinerer, og i år troede vi, at det var denne af Ugo Rondinone. Kunstneren er kendt for eklektisk arbejde, ofte med popkunst-referencer og farver, men også for værker i stor skala som denne støbte bronze-træskulptur.
Den schweiziskfødte kunstner arbejder i New York.
Kinas mest berømte kunstner er måske mere kendt for sine installationer – eller hans politiske og sociale aktivisme – men han skaber også farverige stykker som dette selvportræt lavet i Legos. Selvportrættet ligner de 176 portrætter, han lavede til sit show kaldet Trace, med fokus på mennesker, som han anser for at være politiske fanger og samvittighedsfanger. Det pixelerede look er beregnet til at fremkalde overvågningsbilleder.
Kunstneren kæmpede med Lego om "censur", da de ikke ville sælge ham en masseordre.
Et andet farverigt stykke var semi-abstrakt akryl og stof collage på træ kaldet Tlazolteotl, der føder af Alexander Tovberg. Kunstneren siges at smelte sine drømme, europæiske fold-traditioner og religion sammen for at komme med sine værker. Følelsen af stykket er svær at fastlægge, og det ville være et spændende arbejde til et hjem eller kontor.
Tovberg er en ung dansk kunstner, født i 1983.
Når dit rum har brug for en god dosis farverig neon, så se til den amerikanske kunstner Beverly Fishman. Dette er hendes Untitled (fordøjelsesproblemer), som er sammensat af urethanmaling på træ. Hendes abstrakte værker er diskussioner om teknologi og den farmaceutiske industri. Fishman er en artist-in-residence på det berømte Cranbrook Academy of Art, hvor hun har undervist siden 1992.
Kunsten i Amerika kaldte Fishman en "maler med en billedhuggers bekymringer."
I en sammensmeltning af kunst og møbler skal denne skulptur af danskfødte Carl Mannov vække eftertanke og diskussion. Fra en serie kaldet "Feeding Grounds" er det en statement-skulptur lavet af et skrivebord, magasiner og elletræ. For at blive værdsat ordentligt har denne skulptur brug for et større rum, hvor den kan stå alene og betragtes.
Mange værker, vi så, var også sociale og politiske udsagn.
Dette bløde værk er lavet af håndtuftet uld af Caroline Achaintre, som arbejder i en række medier, herunder tekstiler, keramik, print og akvareller. Det er et meget taktilt stykke, så farverigt – som mange af hendes værker – der ville bringe liv og tekstur til en stor væg. Achaintres stykker er beregnet til at fremkalde karnevalsånden og er blevet kaldt "samtidigt legende og absurd."
Denne kunstners værker omfatter uldvægbeklædninger, tegninger og malerier.
Billedhugger Charles Harlan blev citeret i en bog for at sige, at "dumme genstande kan blive til kunstværker blot ved at flytte dem et sted hen." Kunstneren burde kende, da hans arbejde fokuserer på hverdagslige, industrielle objekter, som han omformer i en ny kontekst. Dette værk, kaldet Paller, er sammensat af sten, træ, stål og plast. Selvom disse genstande hver for sig er hverdagsagtige, danner de sammen en spændende, men provokerende samling.
Rodolphe janssen Gallery præsenterede Harlans skulpturer.
Den afdøde italienske kunstner Dadamaino – som egentlig hed Eduarda Emilia Maino – skabte dette socialt ladede værk. Som et socialt udsagn er det desværre lige så relevant i dag, som det var den dag, det blev til. At vælge at vise denne type kunstværker er en måde at udtrykke en social mening på og måske fremprovokere samtale med de gæster, der besøger dit hjem.
Den milanesiske avantgardekunstner var bedst kendt for sine sort/hvide værker.
Denne store vægskulptur af Daniel Buren er grafisk og dramatisk, typisk for kunstnerens værker. Buren var stor i Paris i tresserne og udfordrede konventionelle forestillinger om, hvor kunst kan ses, skriver Artsy. Han holdt op med at smerte og begyndte at klæbe lodrette striber på alle mulige strukturer over hele byen. Dette er hans Daniel Buren Polychrome High Relief, en aluminiumsskulptur, der ville passe bedst ind i et moderne – og betydeligt – rum.
Set fra forskellige vinkler ændrer værket sit udseende.
Vi kunne ikke lade være med at tænke på de sommerfugle og insekter, vi fangede og fangede, da vi var børn, da vi så alle disse nåle. Elliott Hundleys collager indeholder hundredvis af billeder trykt på rispapir sammen med andre materialer. Dette arbejde inkluderer nogle knapper og muslingeskaller. Hundleys værk siges at være inspireret af græske skuespil. Vi ville hænge dette i en stue eller et arbejdsværelse, et sted hvor vi kunne se det hele tiden. Vi kan ikke forestille os, at vi nogensinde bliver trætte af at undersøge værket, finde forskellige billeder og elementer, hver med forskellige betydninger.
Hundleys collager er multidimensionelle.
Dette sideperspektiv giver et godt overblik over alle stifterne, der bruges i stykket.
Fausto Melotti var kendt for sine surrealistiske skulpturer, som denne kaldet Contrappunto XI. Den afdøde italienske billedhugger arbejdede med alle slags materialer, herunder metal, tråd, gips, keramik og træ. Det lille værk har vægtløse små former arrangeret til at hænge i harmoni. Det er en beroligende lille skulptur, der også er legesyg med sine små metalkugler og wirestråb.
Nogle af formerne afspejler kunstnerens interesse for musik.
Denne antropomorfe skulptur var et stort trækplaster. Francesca DiMattio's Boucherouite V, er et glaseret porcelæns- og stentøjsstykke, der virker som en figur, men ikke rigtig er det. Hendes værker er blandt andet baseret på renæssance- og gotisk arkitektur samt blonder og quiltmønstre. Seerne bliver ved med at cirkle rundt om skulpturen, forventer at finde ansigtet, leder efter værkets forside, men det er der ikke. Meget spændende.
Dette værk, præsenteret af Salon 94, har titlen Boucheroute V.
Alle typer neonkunst kunne findes på Art Basel, men denne var spændende i sin enkelhed. Décrochage n°8 af François Morellet er sammensat af akrylmaling på lærred på træ. Morellet arbejdede i minimal og konceptuel kunst, var vigtig i udviklingen af geometrisk abstrakt kunst. Neon var hans foretrukne materiale. Ifølge Artsy sagde Morellet, at "Vi brændte for moderne materialer, der endnu ikke var blevet 'forurenet' af traditionel kunst. Vi kunne især godt lide alt, der kunne producere bevægelse eller lys."
Den franske kunstner var en vigtig figur i kunsten fra tresserne.
Haegue Yangs hængende facetslebne bold er fantastisk, ikke kun for dens glans og form, men for de fantastiske skygger, den kaster på væggene. Dette er det perfekte stykke til et minimalistisk rum med nok almindelig vægplads til at lade skyggerne give et statement. De dobbelte kobberkanter skabte interessant geometri på væggen, der gentages inden for hver af facetterne.
Hvem har brug for vægkunst, når du har fantastiske skygger som disse.
Et andet hængende vedhæng, vi opdagede, er dette unavngivne værk af Jorge Pardo. Skulpturen af pulverlakeret aluminium inkluderer lys, der hænger fra en buet sapele træbøjle. Måske blev vi tiltrukket af dem, fordi de i det væsentlige er kunstneriske lysarmaturer af denne cubanske amerikanske kunstner, hvis værker fusionerer kunst og design. Det er et fantastisk kunstværk, der fungerer som en vidunderlig lysarmatur.
De dæmpede farver er lavmælte og sofistikerede.
Et af funktionerne i Art Basel hvert år er Kabinett, som giver gallerier mulighed for at vise en individuel kunstner i deres stande i et særligt afgrænset rum. Zeno X Gallery indeholdt Kim Jones og en række af hans værker, inklusive dette skjortebaserede stykke. Jones startede som performancekunstner med alter egoet fra Mudman, en shaman-lignende omrejsende. Han lagde sig sammen i mudder og andre økologiske ting og optrådte forskellige offentlige steder i Los Angeles. I New York siden 1980'erne har Jones fokuseret på temaer relateret til krig.
At bruge en uventet genstand som lærred er altid interessant.
De indviklede detaljer i tegningen er forbløffende.
Hvis du vil gå efter noget sprøjtende og farverigt, så prøv Maryam Haddads Le Parapluie Jaune. Oliemaleriet er faktisk et triptykon, og har en næsten abstrakt impressionistisk følelse. Du kan bare skimte den unge kvinde og titlens gule paraply. Det er et glad stykke, der ville lysne ethvert rum op.
Denne slags minder os om Renoirs picnic-maleri.
Måske er det krøllen, eller måske er det træet, men vi elsker disse vægstykker af norsk kunst Matias Faldbakken. Han bruger "traditionelle hærværkshandlinger og dets materialer" til at skabe æstetiske former, siger Artsy. Han er måske mest kendt for sit arbejde med sort tape i et nik til graffitikulturen, men også for en serie med affaldssække tegnet med sort tusch på mørke plastikaffaldssække. Disse vægstykker virker mindre kaotiske og har en mere beroligende æstetik.
Faldbakken har skabt mange tredimensionelle væginstallationer.
Det er forbløffende, at du kan finde værker af Picasso sammen med de moderne værker på Art Basel. Det er faktisk en af glæderne. Vi er nødt til at beundre og fremhæve dette værk, og selvom vi aldrig havde råd til en Picasso, er det fint at overveje stykket og drømme om at sætte det på vores stuevæg.
Hvad mere kan du sige om sådanne mesterværker, som ikke allerede er blevet sagt.
Blandede medier er en favorit, og samlinger som denne er særligt interessante. Brasiliens Rodrigo Bueno er bedst kendt for sine møbler, der er udsmykket med naturlige materialer. Her har han dog forvandlet et maleri på samme måde. Med titlen Maria Quechua Kaiapó er det et godt eksempel på hans brug af byaffald til at skabe sin kunst og den innovative brug af materialer i udtrykket. Igen er det et stemningsfuldt stykke og fyldt med mening.
Buenos studie hedder Mata Adentro, hvilket betyder "Junglen inde".
Monokrom og alligevel rig på tekstur, lys og skygger, dette værk er af Rosemarie Trockel, en tysk surrealistisk kunstner. Hun er kendt for kontroversielle stykker, der omhandler emner som seksualitet og kultur, såsom hendes maskinfremstillede balaclava-sportssymboler. Dette stykke er dramatisk og dominerende, selv med sin beskedne størrelse.
At installere dette på en mørk væg ville øge dramafaktoren.
Obreros laver et stort socialt såvel som kunstnerisk statement.
På afstand lignede dette et væsen, der var på flugt, eller en kvinde, der udfoldede sin kappe, men nærmere eftersyn afslører, at der er meget forskelligt: En kunstfærdig konstruktion skabt af papirhatte brugt i storkøkkener. Skabt af den mexicanske kunstner Tania Candiani, Obreros, er et stort og dominerende værk, der er et vist omdrejningspunkt. Candianis hjemmeside bemærker, at hun er interesseret i krydsfeltet mellem sprogsystemer, lyd og teknologiens logikker, men med "en vis nostalgi for det forældede." Stykket er også et stærkt socialt statement, fordi det bruger papirhatte fra et amerikansk firma, der er kendt for at ansætte illegale immigranter og behandle dem dårligt.
Et nærmere kig på papirhætterne brugt i Candianis værk.
Et andet værk af Ugo Rondinone tiltrak vores opmærksomhed for dets flydende linjer og den måde, det fremkalder bevægelse på, ligesom nogle af de italienske mestre, der udskåret i marmor. Kvindens torso forstærker følelsen af en hvirvlende hvirvel, mens hun spiraler opad, halvt opslugt af spiralen. I modsætning til det massive træ, vi inkluderede tidligere, kunne dette stykke passe ind i de fleste hjem!
Den schweiziske kunstner repræsenterede sit hjemland på den 52. Venedig Biennale.
Yayoi Kusama er bedst kendt for sine prikkede græskar og nu sine meget Instagramede Infinity Rooms, og har også skabt en stor mængde mindre værker, som dette. Kaldet Shooting Star in Summer, blev stykket skabt i 1988 af akryl, syntetiske fibre og plastik. Materialerne er sammensat i en malet trækasse. Det er uventet og karakteristisk for Kusamas værker at bruge lys rød som den dominerende farve til en stjerneomgivelse.
Kusamas avantgarde-stil oplever endnu en stigning i popularitet.
Udsmykket i et tryk, der minder om batik-tekstiler, tager den nigeriansk-fødte Yinka Shonebare sig på politisk og social historie forbundet med postkolonialisme og globalisering. Artsy bemærker, at Shonebare, som er medlem af den mest fremragende orden i det britiske imperium, bruger ikoniske billeder, men med et legende touch. De farverige skulpturer giver flere statements og vil være en klar samtalestarter.
Shonebare er kendt for sine figurer klædt i batikmønstre.
Så meget kunst, så lidt tid. Det er sådan, vi har det med Art Basel hvert år. Kreativiteten og fantasien koncentreret ét sted kan være overvældende, men én ting er sikkert: Der er noget for enhver smag på denne fantastiske kunstmesse.
Hvis du synes godt om vores side, så del gerne med dine venner & Facebook
