Auf der Art Basel werden fast alle Kunstgattungen präsentiert, aber einer unserer Favoriten ist skulpturale Kunst, egal ob es sich um Wandkunst, eine eigenständige Skulptur oder eine Installation handelt. Solange es Ihnen gefällt, ist jeder dieser Stile eine großartige Möglichkeit, Ihrem Wohnraum Tiefe, Interesse und vielleicht Farbe zu verleihen. Wir haben unsere Auswahl von der jüngsten Art Basel Miami 2016 zusammengestellt.
Einige der interessantesten Stücke verwenden gefundene Gegenstände. Hier werden leere Benzinkanister verwendet, die der Silhouette der Vereinigten Staaten nachempfunden sind. Einige von ihnen scheinen sogar ein Gesicht zu haben. Es ist ein Werk, das Interesse weckt und philosophische Fragen aufwirft.
Das monochromatische Farbschema ist sehr dramatisch.
Maulbeerpapier wird dekoriert, gefärbt und sorgfältig um kleine Styroporstücke gewickelt, die Kwang-Young Chun raffiniert arrangiert hat. Das resultierende große Kunstwerk hat eine erstaunliche Ombre-Farbe, Tiefe und Textur. Obwohl es sich um Wandstücke handelt, vermitteln sie das Gefühl dramatischer Tiefe, wie eine Miniatur-Berglandschaft.
Kwong-Young Chuns Zusammenfassung 16.
Eine Nahaufnahme der winzigen Komponenten im großen Stück.
Obwohl wir bei der Art Basel Miami 2016 weniger Stücke zum Thema „Möbel als Kunst“ gesehen haben, haben wir doch ein paar interessante Werke gefunden. Diese Stuhlskulptur stammt von der in Amerika geborenen Rita McBride, deren Werke unter vielen Labels fallen, darunter Industriedesign, Skulptur, Architektur und Installation. Sie konzentriert sich oft auf die Manipulation des Maßstabs und „der konventionellen Assoziationen bestimmter Materialien“, schreibt Artsy.
Der koreanische Künstler Do Ho Suh entdeckt die Kunstfertigkeit des Gewöhnlichen und kreiert Stoffskulpturen, die Objekte aus seinem Zuhause nachbilden. Seine lebensgroßen Nachbildungen verschiedener Geräte und Einrichtungsgegenstände aus seiner Wohnung in der West 22nd Street in New York City bestehen aus durchsichtigem Material über einer dünnen Drahtstruktur.
Badewanne, Apartment A.
Die kolumbianische Künstlerin Doris Saucedo ist eine Bildhauerin, deren Arbeiten sich auf komplexe Themen im Zusammenhang mit historischen Ereignissen wie Massengewalt, Trauma, Rassismus und Kolonialismus konzentrieren. Dieses Stück wurde von der Galerie White Cube präsentiert.
Einfach und doch zum Nachdenken anregend.
Der verstorbene amerikanische Künstler Donald Judd schuf dieses minimalistische Werk im Jahr 1967. Er galt als der bedeutendste amerikanische Künstler der Nachkriegszeit und war bekannt für seine großen Außeninstallationen und Entwürfe für lange Innenräume.
Ohne Titel, blauer Lack auf verzinktem Eisen.
Francesca Pasquali ist eine italienische Künstlerin, die natürliche Formen beobachtet und diese in aufwendige Werke und Installationen „übersetzt“. Ihre Kreationen verwenden häufig gefundene oder recycelte Materialien, darunter auch Industriematerialien. Pasquali ist für ihre Arbeit mit Tausenden von Plastikstrohhalmen bekannt und hat auch eine Reihe von Stücken aus Neopren hergestellt.
„Frappe“ von Francesca Pasquale ist Neopren auf Holz.
Eine Nahaufnahme der gefalteten Neoprenstücke.
Isabel De Obaldia verfügt über einen vielfältigen künstlerischen Hintergrund und studierte an der berühmten Pilchuck Glass School. De Obaldia, die Tochter des berühmten panamaischen Malers Guillermo Trujillo, schafft Kulturen mit animalischen Formen. Dies ist ihr Jaguar-Thron, der sehr strukturiert ist.
Ihre Stücke sind nicht groß, aber auffällig.
Die Oberseite des Jaguar-Throns von De Obaldia besteht aus Glas mit geätztem Streifenmuster.
Der New Yorker Bildhauer Joel Shapiro ist für seine Arbeiten mit einfachen rechteckigen Formen bekannt. Mit einer einfachen geometrischen Form in abgestuften Größen und verschiedenen Farben kreiert er atemberaubende moderne Stücke.
Einfache Formen bilden seine modernen, minimalistischen Skulpturen.
In den Kunstwerken von John Chamberlain finden sich sowohl farbige als auch schlichte Chromformen. Er ist bekannt für seine aus Altmetall und verbeulten, weggeworfenen Autoteilen und Industrieabfällen gefertigten Stücke.
Chamberlains TidyFlamingo.
Die Arbeit von Kim Jones vereint Performancekunst, Skulptur und Zeichnung. Er ist dafür bekannt, dass er als „Mudman“ durch die Straßen geht, mit Schlamm bedeckt, eine Decke aus Stöcken, Klebeband und Bindfäden tragend und sein Gesicht mit einem Nylonstrumpf bedeckt. Bei diesem Stück handelt es sich um eine Kriegsjacke. Jones sagte zu Herrn Motley: „Wenn ich die Strukturen als Mudman trage, betrachte ich mich selbst als eine wandelnde Skulptur. Die Hemden und Jacken sind eine Fortsetzung dieser Idee – das sind Skulpturen, die ich tragen kann, auf denen sich aber auch Kriegszeichnungen befinden, sodass sie zu einer wandelnden Skulptur werden … Die Kriegszeichnungen sind wie ein primitives Computerspiel … ein handgezeichnetes Computerspiel. Das Tragen dieser Jacken ist, als würde ich meine Gedanken auf dem Rücken tragen.“
Das Stück besteht aus einer Jacke, Holz, Acryl und Tinte
Modulare Skulpturen des Mailänder Künstlers Loris Cecchini nutzen in seinen Installationen den Organismus als These für seine Arbeiten, die die „Evolution der Kunst im Verhältnis zu den Wissenschaften“ untersuchen. In einem großen Teil seiner Arbeiten montiert Cecchini seine Stahlkomponenten so, dass sie Kletterpflanzen oder Kristallstrukturen ähneln. Sie alle vermitteln eine wissenschaftliche Stimmung und sind, wenn man sie für bare Münze nimmt, optisch ansprechend.
Keimraten an vier Polen, 2015
Eine Nahaufnahme der Struktur.
Diese fesselnde Skulptur stammt von Mark Manders, der seit 1986 an einer riesigen Werkserie mit dem Titel „Selbstporträts als Gebäude“ arbeitet. Die Skulpturen sind der Versuch des Künstlers, seine Identität durch Objekte und Text darzustellen.
Jedes Werk ist provokativ.
Die Galerie Max Mayer präsentierte eines der wenigen digitalen Kunstwerke – Melanie Gilligans Videoarbeit „Parts-whole“ aus dem Jahr 2016. Gilligan lebt in London und New York City und schafft Kunstwerke in den Bereichen Video, Performancekunst, Text, Installationen und Musik.
Dreidimensional und sehr avantgardistisch.
Bei diesem genialen Werk handelt es sich um ein Gebäude, das tatsächlich dreidimensional ist. Es verleiht dem typischen Wandkunststück eine neue Dimension.
Die monochromatische Farbpalette trägt zur Dramatik des Werks bei.
Eine Seitenansicht der Bauprojekte von der Leinwand.
Der Japaner Kohei Nawa erschafft diese spektakulären Kreaturen in seiner PixCell-Serie. Sobald er ein Objekt auswählt, wird es in eine Schicht kugelförmiger Zellen eingekapselt. Das resultierende Werk weist eine einzigartige Oberflächenstruktur und ungewöhnliche Tiefe auf, die durch die unterschiedlich großen Kugeln entsteht. Jede Sphäre ist ein anderes visuelles Erlebnis. Nada prägte den Begriff „PixCell“ als eine Abwandlung des Pixels, aus dem digitale Bilder bestehen.
Dieses Werk ist modern, vermittelt aber eine rustikale Ausstrahlung. Sein industrielles Finish und die unterschiedlichen Formen sind sehr ansprechend.
Präsentiert von der Thomas Dane Gallery.
Die Thomas Erben Gallery zeigte eine Reihe von Werken des Brooklyner Künstlers Mike Cloud. Die farbenfrohen Stücke täuschen über die Bedeutung der Werke des Künstlers hinweg. Clouds Kunstwerke stellen eine Beziehung zum Tod dar, hauptsächlich zum Tod durch Erhängen. Die Gemälde balancieren an einer Ecke und hängen teilweise an einem Ledergürtel an der Wand. Dies deutet auf Menschen hin, die unter verschiedenen Umständen durch Erhängen gestorben sind.
S of B, 2016. Öl auf Leinen und Keilrahmen.
Der in der Schweiz geborene Künstler Ugo Rondinone schafft alle Arten von Kunst, einschließlich Skulpturen, die Alltagsgegenstände verwandeln und ihnen „eine künstliche Dauerhaftigkeit verleihen, die ihre Vergänglichkeit sowohl unterstreicht als auch leugnet“, schreibt Artsy.
Acryl auf Leinwand, Plexiglastafel
Die Wiederholung von Mustern in Kombination mit einer erstaunlichen Textur sind die auffälligen Merkmale dieses Stücks aus der Van de Weghe Gallery.
Die komplizierte, vielschichtige und komplexe Textur ist der faszinierendste Aspekt dieses Stücks.
Die Victoria Miro Gallery zeigte diese Skulptur des britischen Künstlers Conrad Shawcross. Seine „maschinenähnlichen“ Installationen haben alle wissenschaftliche Bezüge und „sind voller Paradox, Absurdität und Launen“, so Artsy. Dies ist Shawcross‘ „The Dappled Light of The Sun (Study I)“ aus dem Jahr 2016.
Die Galerie Urs Meile präsentierte beeindruckende Werke des aufstrebenden Künstlers Yang Mushi aus Shanghai, China, als Kunst des Kabinett-Programms der Art Basel, in dem Galerien an ihren Ständen sorgfältig kuratierte Ausstellungen zeigen. Mushis Arbeit befasst sich mit der Globalisierung und der extremen Stadtentwicklung in China. Seine Arbeiten verwenden industrielle Rohstoffe wie Holz, Schaumstoff, Metall und Stein. Dieses Stück heißt „Sharpening – Branch“.
IT besteht aus Holz und schwarzem Sprühlack.
Eine Nahaufnahme von „Sharpening – Stick“.
Keine Kunstmesse ist vollständig, ohne einige Werke des japanischen Avantgarde-Künstlers Yayoi Kusama zu sehen. Ihre ikonischen Muster und farbenfrohen Arbeiten sind immer ein Hit. Aufgrund ihrer Kindheit spielen Kürbisse eine zentrale Rolle in Kusamas Werk. Matsumoto, Kusamas Heimatstadt, war von der Nahrungsmittelknappheit im Zweiten Weltkrieg nicht betroffen und der Großhandel der Familie verfügte über reichlich Kürbisse. Ihr ganzes Leben lang ist sie dieser Form verbunden geblieben und sie ist definitiv einer unserer Favoriten.
Kürbis (S), 2016.
So viele spektakuläre Stücke und nicht genug Zeit, um sie alle zu Ihnen zu bringen! Unsere Auswahl zeigt einen Querschnitt der innovativen Skulpturen, die heutige Künstler schaffen. Ganz gleich, ob Sie es sich leisten können, echte Stücke zu sammeln, sie als Inspiration für die Kunstgenres zu nutzen, die Sie für Ihr Zuhause haben möchten, oder einfach nur die Vielfalt der Kreativität zu betrachten, die Art Basel ist ein visueller und struktureller Leckerbissen.
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