Mit jedem Jahr wächst die Art Basel Miami dank ihrer Beliebtheit und der schnell wachsenden Zahl gleichzeitig stattfindender Kunstmessen in der Stadt. Da sich die Veranstaltung zu einem Who-is-Who der Kunst, des Designs und der Mode entwickelt hat, ist die Messe selbst gewachsen und zog 2017 mehr als 82.000 Besucher an. An der Messe nahmen 268 Galerien aus 32 Ländern teil, was es für uns schwierig machte, eine Handvoll Kunstwerke auszuwählen Markieren. Dennoch finden Sie hier eine Auswahl von Stücken, die aus dem einen oder anderen Grund unsere Aufmerksamkeit erregt haben.
Jedes Jahr gibt es mindestens ein großformatiges Stück, das fasziniert, und dieses Jahr dachten wir, es wäre dieses von Ugo Rondinone. Der Künstler ist bekannt für eklektische Arbeiten, oft mit Pop-Art-Bezügen und Farben, aber auch für großformatige Arbeiten wie diese Baumskulptur aus Bronzeguss.
Der in der Schweiz geborene Künstler arbeitet in New York.
Chinas berühmtester Künstler ist vielleicht eher für seine Installationen – oder sein politisches und soziales Engagement – bekannt, aber er schafft auch farbenfrohe Werke wie dieses Selbstporträt aus Legosteinen. Das Selbstporträt ähnelt den 176 Porträts, die er für seine Ausstellung „Trace“ angefertigt hat, und konzentriert sich auf Menschen, die er für politische Gefangene und Gefangene aus Gewissensgründen hält. Die pixelige Optik soll an Überwachungsfotos erinnern.
Der Künstler stritt sich mit Lego um „Zensur“, weil sie ihm keine Großbestellung verkaufen wollten.
Ein weiteres farbenfrohes Stück war eine halbabstrakte Collage aus Acryl und Stoff auf Holz mit dem Titel „Tlazolteotl birthing“ von Alexander Tovberg. Der Künstler soll seine Träume, europäische Falttradition und Religion verschmelzen lassen, um seine Werke zu schaffen. Die Haptik des Stücks ist schwer zu bestimmen und es wäre ein faszinierendes Werk für ein Zuhause oder ein Büro.
Tovberg ist ein junger dänischer Künstler, geboren 1983.
Wenn Ihr Raum eine ordentliche Portion buntes Neon braucht, wenden Sie sich an die amerikanische Künstlerin Beverly Fishman. Dies ist ihr Untitled (Digestive Problems), das aus Urethanfarbe auf Holz besteht. Ihre abstrakten Arbeiten sind Diskussionen über Technologie und die Pharmaindustrie. Fishman ist Artist-in-Residence an der renommierten Cranbrook Academy of Art, wo sie seit 1992 unterrichtet.
Art in America nannte Fishman einen „Maler mit den Anliegen eines Bildhauers“.
In einer Verschmelzung von Kunst und Möbeln soll diese Skulptur des in Dänemark geborenen Carl Mannov zum Nachdenken und zur Diskussion anregen. Aus der Serie „Feeding Grounds“ handelt es sich um eine aus einem Schreibtisch, Zeitschriften und Erlenholz gefertigte Statement-Skulptur. Um richtig wahrgenommen zu werden, benötigt diese Skulptur einen größeren Raum, in dem sie allein stehen und betrachtet werden kann.
Viele Werke, die wir sahen, waren auch soziale und politische Statements.
Dieses flauschige Werk besteht aus handgetufteter Wolle von Caroline Achaintre, die in einer Reihe von Medien arbeitet, darunter Textilien, Keramik, Drucke und Aquarelle. Es ist ein sehr haptisches Stück, das – wie viele ihrer Arbeiten – so farbenfroh ist, dass es einer großen Wand Leben und Struktur verleihen würde. Achaintres Stücke sollen den Geist des Karnevals heraufbeschwören und wurden als „gleichzeitig verspielt und absurd“ bezeichnet.
Zu den Werken dieses Künstlers gehören Wollwandbehänge, Zeichnungen und Gemälde.
Der Bildhauer Charles Harlan wurde in einem Buch mit den Worten zitiert: „Dumme Objekte können zu Kunstwerken werden, indem man sie einfach irgendwohin bewegt.“ Der Künstler sollte es wissen, denn sein Werk konzentriert sich auf alltägliche, industrielle Objekte, die er in einen neuen Kontext stellt. Dieses Werk namens Pallets besteht aus Stein, Holz, Stahl und Kunststoff. Während diese Objekte einzeln banal wirken, bilden sie zusammen eine faszinierende, zum Nachdenken anregende Zusammenstellung.
Die Rodolphe Janssen Gallery präsentierte Harlans Skulpturen.
Der verstorbene italienische Künstler Dadamaino – der mit bürgerlichem Namen Eduarda Emilia Maino hieß – schuf dieses sozial aufgeladene Werk. Als gesellschaftliches Statement ist es heute leider genauso aktuell wie am Tag seiner Entstehung. Die Entscheidung, diese Art von Kunstwerken auszustellen, ist eine Möglichkeit, eine gesellschaftliche Meinung auszudrücken und möglicherweise Gespräche mit den Gästen anzuregen, die Ihr Zuhause besuchen.
Die Mailänder Avantgarde-Künstlerin war vor allem für ihre Schwarz-Weiß-Werke bekannt.
Diese große Wandskulptur von Daniel Buren ist grafisch und dramatisch, typisch für die Werke des Künstlers. Buren war in den sechziger Jahren in Paris eine große Größe und stellte konventionelle Vorstellungen davon in Frage, wo Kunst zu sehen ist, schreibt Artsy. Er hörte auf zu malen und begann, vertikale Streifen auf allen möglichen Bauwerken in der ganzen Stadt anzubringen. Dies ist sein Daniel Buren Polychrome High Relief, eine Aluminiumskulptur, die am besten in einen modernen – und großen – Raum passt.
Aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet verändert das Werk sein Erscheinungsbild.
Als wir all diese Stecknadeln sahen, kamen wir nicht umhin, an die Schmetterlinge und Käfer zu denken, die wir als Kinder gefangen und angeheftet hatten. Elliott Hundleys Collagen enthalten Hunderte von Bildern, die zusammen mit anderen Materialien auf Reispapier gedruckt wurden. Diese Arbeit umfasst einige Knöpfe und Muscheln. Hundleys Werk soll von griechischen Theaterstücken inspiriert sein. Wir hingen es in einem Wohnzimmer oder Arbeitszimmer auf, wo wir es ständig sehen konnten. Wir können uns nicht vorstellen, jemals müde zu werden, das Stück zu untersuchen und verschiedene Bilder und Elemente zu finden, jedes mit unterschiedlichen Bedeutungen.
Hundleys Collagen sind mehrdimensional.
Diese seitliche Perspektive bietet einen guten Blick auf alle im Stück verwendeten Stifte.
Fausto Melotti war für seine surrealistischen Skulpturen bekannt, wie diese mit dem Titel „Contrappunto XI“. Der verstorbene italienische Bildhauer arbeitete mit allen möglichen Materialien, darunter Metall, Draht, Gips, Keramik und Holz. Das kleine Werk zeigt schwerelose kleine Formen, die so angeordnet sind, dass sie harmonisch hängen. Es ist eine beruhigende kleine Skulptur, die mit ihren kleinen Metallkugeln und Drahtwirbeln aber auch verspielt wirkt.
Einige der Formen spiegeln das Interesse des Künstlers an Musik wider.
Diese anthropomorphe Skulptur war ein großer Anziehungspunkt. Francesca DiMattios Boucherouite V ist ein glasiertes Porzellan- und Steinzeugstück, das wie eine Figur wirkt, es aber nicht wirklich ist. Ihre Werke sind unter anderem von der Architektur der Renaissance und der Gotik sowie von Spitzen- und Steppmustern geprägt. Die Betrachter umkreisen die Skulptur immer wieder in der Erwartung, das Gesicht zu finden, suchen nach der Vorderseite des Stücks, aber es ist nicht da. Sehr faszinierend.
Diese von Salon 94 präsentierte Arbeit trägt den Titel Boucherouite V.
Auf der Art Basel gab es alle Arten von Neonkunst, aber diese hier faszinierte durch ihre Einfachheit. Décrochage Nr. 8 von François Morellet besteht aus Acrylfarbe auf Leinwand auf Holz. Morellet arbeitete in der Minimal- und Konzeptkunst und war maßgeblich an der Entwicklung der geometrischen abstrakten Kunst beteiligt. Neon war sein bevorzugtes Material. Laut Artsy sagte Morellet: „Wir hatten eine Leidenschaft für moderne Materialien, die noch nicht durch traditionelle Kunst ‚verschmutzt‘ waren. Besonders gut hat uns alles gefallen, was Bewegung oder Licht erzeugen kann.“
Der französische Künstler war ab den sechziger Jahren eine wichtige Figur in der Kunst.
Die hängende facettierte Kugel von Haegue Yang besticht nicht nur durch ihren Glanz und ihre Form, sondern auch durch die erstaunlichen Schatten, die sie an die Wände wirft. Dies ist das perfekte Stück für einen minimalistischen Raum mit genügend schlichter Wandfläche, damit die Schatten ein Statement setzen können. Die doppelten Kupferkanten erzeugten interessante geometrische Formen an der Wand, die sich in jeder Facette wiederholen.
Wer braucht schon Wandkunst, wenn man so tolle Schatten hat?
Ein weiterer hängender Anhänger, den wir entdeckt haben, ist dieses Werk ohne Titel von Jorge Pardo. Die Skulptur aus pulverbeschichtetem Aluminium verfügt über Leuchten, die an einem geschwungenen Kleiderbügel aus Sapeliholz hängen. Vielleicht haben wir uns zu ihnen hingezogen gefühlt, weil es sich im Wesentlichen um künstlerische Beleuchtungskörper dieses kubanisch-amerikanischen Künstlers handelt, dessen Werke Kunst und Design verbinden. Es ist ein atemberaubendes Kunstwerk, das gleichzeitig als wunderbare Leuchte dient.
Die gedämpften Farben wirken zurückhaltend und raffiniert.
Eines der Highlights der Art Basel ist jedes Jahr das Kabinett, das es Galerien ermöglicht, einen einzelnen Künstler an ihren Ständen in einem speziell abgegrenzten Raum zu präsentieren. In der Zeno Jones begann als Performancekünstler mit dem Alter Ego von Mudman, einem schamanischen Wanderer. Er verkrustete sich mit Schlamm und anderen organischen Dingen und trat an verschiedenen öffentlichen Orten in Los Angeles auf. In New York konzentriert sich Jones seit den 1980er Jahren auf Kriegsthemen.
Es ist immer interessant, ein unerwartetes Objekt als Leinwand zu verwenden.
Die komplizierten Details der Zeichnung sind erstaunlich.
Wenn Sie Lust auf etwas Spritziges und Buntes haben, probieren Sie Le Parapluie Jaune von Maryam Haddad. Das Ölgemälde ist eigentlich ein Triptychon und hat eine fast abstrakte impressionistische Anmutung. Man erkennt gerade noch die junge Frau und den gelben Regenschirm im Titel. Es ist ein fröhliches Stück, das jeden Raum erhellen würde.
Das erinnert uns irgendwie an Renoirs Picknick-Gemälde.
Vielleicht liegt es an der Locke oder am Holz, aber wir lieben diese Wandstücke des norwegischen Künstlers Matias Faldbakken. Er nutzt „traditionelle Akte des Vandalismus und seiner Materialien“, um ästhetische Formen zu generieren, sagt Artsy. Am bekanntesten ist er vielleicht für seine Arbeit mit schwarzem Klebeband in Anspielung auf die Graffiti-Kultur, aber auch für eine Serie mit Müllsäcken, die Zeichnungen mit schwarzem Filzstift auf dunklen Plastikmüllsäcken zeigt. Diese Wandstücke wirken weniger chaotisch und haben eine beruhigendere Ästhetik.
Faldbakken hat viele dreidimensionale Wandinstallationen geschaffen.
Es ist erstaunlich, dass man auf der Art Basel neben zeitgenössischen Werken auch Werke von Picasso finden kann. Tatsächlich ist das eine der Freuden. Wir müssen dieses Werk bewundern und hervorheben, und obwohl wir uns nie einen Picasso leisten könnten, ist es schön, über das Werk nachzudenken und davon zu träumen, es an die Wand unseres Wohnzimmers zu hängen.
Was kann man über solche Meisterwerke noch sagen, was noch nicht gesagt wurde?
Am beliebtesten sind Mixed-Media-Stücke, und Assemblagen wie diese sind besonders interessant. Der Brasilianer Rodrigo Bueno ist vor allem für seine mit natürlichen Materialien verzierten Möbel bekannt. Hier hat er jedoch ein Gemälde auf die gleiche Weise transformiert. Es trägt den Titel „Maria Quechua Kaiapó“ und ist ein großartiges Beispiel für die Verwendung städtischer Abfälle für die Schaffung seiner Kunst und den innovativen Einsatz von Materialien im Ausdruck. Auch hier handelt es sich um ein stimmungsvolles Stück voller Bedeutung.
Buenos Studio heißt Mata Adentro, was „Dschungel im Inneren“ bedeutet.
Monochrom und doch reich an Textur, Licht und Schatten: Dieses Werk stammt von Rosemarie Trockel, einer deutschen surrealistischen Künstlerin. Sie ist bekannt für kontroverse Stücke, die Themen wie Sexualität und Kultur aufgreifen, wie zum Beispiel ihre maschinell hergestellten Sturmhauben mit Symbolen. Dieses Stück ist trotz seiner bescheidenen Größe dramatisch und dominant.
Die Installation an einer dunklen Wand würde den Drama-Faktor erhöhen.
Obreros setzt sowohl ein großes soziales als auch künstlerisches Statement.
Aus der Ferne sah es aus wie ein fliegendes Geschöpf oder wie eine Frau, die ihren Umhang entfaltet, doch bei genauerem Hinsehen erkennt man, dass es sich bei den Auslassungen um etwas ganz anderes handelt: Eine kunstvolle Konstruktion aus Papierhüten, die in Großküchen verwendet werden. Obreros, ein Werk der mexikanischen Künstlerin Tania Candiani, ist ein großes und dominantes Werk, das einen gewissen Schwerpunkt darstellt. Candianis Website stellt fest, dass sie sich für die Schnittstelle zwischen Sprachsystemen, Klang und Logik der Technologie interessiert, jedoch mit „einer gewissen Nostalgie für das Veraltete“. Das Stück ist auch ein starkes soziales Statement, weil es Papierhüte eines amerikanischen Unternehmens verwendet, das dafür bekannt ist, illegale Einwanderer einzustellen und sie schlecht zu behandeln.
Ein genauerer Blick auf die in Candianis Stück verwendeten Papierkappen.
Ein weiteres Werk von Ugo Rondinone erregte unsere Aufmerksamkeit durch seine fließenden Linien und die Art und Weise, wie es Bewegung hervorruft, ähnlich wie es einige der italienischen Meister tun, die in Marmor geschnitzt haben. Der Oberkörper der Frau verstärkt das Gefühl eines wirbelnden Wirbels, während sie sich spiralförmig nach oben bewegt und halb von der Spirale verzehrt wird. Im Gegensatz zu dem massiven Baum, den wir zuvor beigefügt haben, passt dieses Stück in die meisten Häuser!
Der Schweizer Künstler vertrat sein Heimatland auf der 52. Biennale von Venedig.
Yayoi Kusama, die vor allem für ihre gepunkteten Kürbisse und jetzt für ihre auf Instagram vielbeachteten Infinity Rooms bekannt ist, hat auch eine große Anzahl kleinerer Werke wie dieses geschaffen. Das Stück mit dem Namen „Shooting Star in Summer“ entstand 1988 aus Acryl, Kunstfaser und Kunststoff. Die Materialien sind in einer bemalten Holzkiste zusammengestellt. Die Verwendung von leuchtendem Rot als dominierende Farbe für eine herausragende Umgebung ist unerwartet und charakteristisch für Kusamas Stücke.
Kusamas avantgardistischer Stil erfreut sich erneut wachsender Beliebtheit.
Die in Nigeria geborene Yinka Shonebare ist mit einem Druck verziert, der an Textilien mit Batikdruck erinnert, und beschäftigt sich mit der politischen und sozialen Geschichte im Zusammenhang mit Postkolonialismus und Globalisierung. Artsy bemerkt, dass Shonebare, der Mitglied des Most Excellent Order of the British Empire ist, ikonische Bilder verwendet, jedoch mit einer verspielten Note. Die farbenfrohen Skulpturen geben mehrere Statements ab und werden definitiv ein Gesprächsstarter sein.
Shonebare ist bekannt für seine mit Batikmustern gekleideten Figuren.
So viel Kunst, so wenig Zeit. So denken wir jedes Jahr über die Art Basel. Die an einem Ort konzentrierte Kreativität und Fantasie können überwältigend sein, aber eines ist sicher: Auf dieser erstaunlichen Kunstmesse ist für jeden etwas dabei.
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