Cada año sucesivo, Art Basel Miami crece en tamaño gracias a su popularidad y al número en rápida expansión de exposiciones de arte simultáneas en la ciudad. A medida que el evento se ha convertido en un quién es quién del arte, el diseño y la moda, la feria en sí ha crecido, atrayendo a más de 82.000 visitantes en 2017. La exposición contó con 268 galerías de 32 países, lo que nos dificulta elegir un puñado de obras de arte para destacar. Sin embargo, aquí tienes una selección de piezas que nos llamaron la atención por un motivo u otro.
Cada año hay al menos una pieza de gran formato que cautiva y este año pensamos que era esta de Ugo Rondinone. El artista es conocido por su trabajo ecléctico, a menudo con referencias y colores del arte pop, pero también por obras a gran escala como esta escultura de árbol de bronce fundido.
El artista nacido en Suiza trabaja en Nueva York.
El artista más famoso de China puede ser más conocido por sus instalaciones (o su activismo político y social), pero también crea piezas coloridas como este autorretrato realizado con Legos. El autorretrato es similar a los 176 retratos que hizo para su exposición llamada Trace, centrándose en personas que considera presos políticos y presos de conciencia. La apariencia pixelada pretende evocar fotografías de vigilancia.
El artista peleó con Lego por la “censura” cuando no le quisieron vender un pedido al por mayor.
Otra pieza colorida fue un collage semiabstracto de acrílico y tela sobre madera llamado Tlazolteotl dando a luz, de Alexander Tovberg. Se dice que el artista fusiona sus sueños, la tradición europea y la religión para crear sus piezas. La sensación de la pieza es difícil de precisar y sería una obra intrigante para un hogar u oficina.
Tovberg es un joven artista danés, nacido en 1983.
Cuando su espacio necesite una buena dosis de neón colorido, recurra a la artista estadounidense Beverly Fishman. Este es su Sin título (Problemas digestivos), que está compuesto de pintura de uretano sobre madera. Sus trabajos abstractos son discusiones sobre tecnología y la industria farmacéutica. Fishman es artista residente en la reconocida Academia de Arte Cranbrook, donde enseña desde 1992.
Art in America llamó a Fishman un “pintor con inquietudes de escultor”.
En una combinación de arte y mobiliario, esta escultura del danés Carl Mannov pretende provocar reflexión y debate. De una serie llamada “Feeding Grounds”, es una escultura llamativa elaborada a partir de un escritorio, revistas y madera de aliso. Para ser apreciada adecuadamente, esta escultura necesita un espacio más amplio donde pueda permanecer sola y ser contemplada.
Muchas de las obras que vimos eran también declaraciones sociales y políticas.
Esta obra esponjosa está hecha de lana tejida a mano por Caroline Achaintre, quien trabaja en diversos medios, incluidos textiles, cerámica, grabados y acuarelas. Es una pieza muy táctil y colorida, como lo son muchas de sus obras, que aportaría vida y textura a una gran pared destacada. Las piezas de Achaintre pretenden evocar el espíritu del Carnaval y han sido calificadas de "simultáneamente divertidas y absurdas".
Las piezas de este artista incluyen tapices de lana, dibujos y pinturas.
En un libro se cita al escultor Charles Harlan diciendo que “los objetos tontos pueden convertirse en obras de arte simplemente moviéndolos a algún lugar”. El artista debería saberlo, ya que su trabajo se centra en objetos industriales cotidianos que replantea en un nuevo contexto. Esta obra, denominada Palets, está compuesta por piedra, madera, acero y plástico. Si bien estos objetos individualmente son mundanos, juntos forman un conjunto intrigante y provocativo.
La galería rodolphe janssen presentó las esculturas de Harlan.
El fallecido artista italiano Dadamaino, cuyo verdadero nombre era Eduarda Emilia Maino, creó esta obra con carga social. Como declaración social, lamentablemente es tan relevante hoy como lo fue el día de su creación. Elegir exhibir este tipo de obras de arte es una forma de expresar una opinión social y quizás provocar una conversación con los invitados que visitan su casa.
La artista de vanguardia milanesa era mejor conocida por sus obras en blanco y negro.
Esta gran escultura mural de Daniel Buren es gráfica y dramática, típica de las obras del artista. Buren fue importante en París en los años sesenta y desafió las nociones convencionales sobre dónde se puede ver el arte, escribe Artsy. Dejó de pintar y empezó a pegar rayas verticales en todo tipo de estructuras por toda la ciudad. Este es su Daniel Buren Polychrome High Relief, una escultura de aluminio que encajaría perfectamente en un espacio moderno y de gran tamaño.
Vista desde diferentes ángulos, la obra cambia de apariencia.
No pudimos evitar pensar en las mariposas y los insectos que capturamos y fijamos con alfileres cuando éramos niños cuando vimos todos estos alfileres. Los collages de Elliott Hundley contienen cientos de imágenes impresas en papel de arroz junto con otros materiales. Esta obra incluye algunos botones y conchas. Se dice que el trabajo de Hundley está inspirado en obras de teatro griegas. Colgaríamos esto en una sala de estar o en un estudio, en algún lugar donde pudiéramos verlo todo el tiempo. No podemos imaginar cansarnos nunca de examinar la pieza, encontrando diferentes imágenes y elementos, cada uno con una variedad de significados.
Los collages de Hundley son multidimensionales.
Esta perspectiva lateral proporciona una buena visión de todos los pasadores utilizados en la pieza.
Fausto Melotti era conocido por sus esculturas surrealistas, como ésta llamada Contrappunto XI. El fallecido escultor italiano trabajó con todo tipo de materiales, incluidos metal, alambre, yeso, cerámica y madera. La pequeña obra presenta pequeñas formas ingrávidas dispuestas para colgar en armonía. Es una pequeña escultura relajante que también es divertida con sus pequeñas bolas de metal y sus alambres.
Algunas de las formas reflejan el interés del artista por la música.
Esta escultura antropomorfa fue un gran atractivo. Boucherouite V, de Francesca DiMattio, es una pieza de porcelana y gres esmaltado que parece una figura, pero que en realidad no lo es. Sus obras se basan en la arquitectura renacentista y gótica, así como en patrones de encaje y colchas, entre otras cosas. Los espectadores siguen dando vueltas alrededor de la escultura, esperando encontrar el rostro, buscando el frente de la pieza, pero no está allí. Muy intrigante.
Esta obra, presentada por el Salón 94, se titula Boucherouite V.
En Art Basel se podían encontrar todo tipo de arte de neón, pero este era intrigante por su simplicidad. Décrochage n°8 de François Morellet está compuesto por pintura acrílica sobre lienzo sobre madera. Morellet trabajó en arte minimalista y conceptual, fue importante en el desarrollo del arte abstracto geométrico. El neón fue su material preferido. Según Artsy, Morellet dijo que “nos apasionaban los materiales modernos que aún no habían sido 'contaminados' por el arte tradicional. Nos gustaba especialmente todo lo que pudiera producir movimiento o luz”.
El artista francés fue una figura importante del arte a partir de los años sesenta.
La bola facetada colgante de Haegue Yang es impresionante no sólo por su brillo y forma sino también por las sorprendentes sombras que proyecta en las paredes. Esta es la pieza perfecta para un espacio minimalista con suficiente espacio en la pared para dejar que las sombras hagan una declaración. Los dobles bordes de cobre crearon interesantes formas geométricas en la pared que se repiten dentro de cada una de las facetas.
¿Quién necesita arte mural cuando tienes sombras increíbles como estas?
Otro colgante que descubrimos es esta obra sin título de Jorge Pardo. La escultura de aluminio con recubrimiento en polvo incluye luces que cuelgan de una percha de madera de sapeli con curvas. Quizás nos atrajeron porque son esencialmente accesorios de iluminación artísticos de este artista cubanoamericano, cuyas obras fusionan arte y diseño. Es una impresionante obra de arte que también funciona como una maravillosa lámpara.
Los colores apagados son discretos y sofisticados.
Una de las características de Art Basel cada año es el Kabinett, que permite a las galerías presentar a un artista individual dentro de sus stands en un espacio especialmente delimitado. La Galería Zeno X presentó a Kim Jones y una variedad de sus obras, incluida esta pieza basada en una camiseta. Jones comenzó como artista de performance con el alter ego de Mudman, un chamán itinerante. Se cubrió de barro y otras cosas orgánicas y apareció en diferentes lugares públicos de Los Ángeles. En Nueva York desde la década de 1980, Jones se centra en temas relacionados con la guerra.
Usar un elemento inesperado como lienzo siempre es interesante.
Los intrincados detalles del dibujo son asombrosos.
Si quieres optar por algo llamativo y colorido, prueba Le Parapluie Jaune de Maryam Haddad. La pintura al óleo es en realidad un tríptico y tiene un sentimiento impresionista casi abstracto. Apenas se puede distinguir a la joven y el paraguas amarillo del título. Es una pieza feliz que alegraría cualquier espacio.
Esto nos recuerda un poco al cuadro de picnic de Renoir.
Tal vez sea el rizo, o tal vez sea la madera, pero nos encantan estas piezas de pared del arte noruego Matias Faldbakken. Utiliza “actos tradicionales de vandalismo y sus materiales” para generar formas estéticas, dice Artsy. Quizás sea mejor conocido por su trabajo con cinta negra en un guiño a la cultura del graffiti, pero también por una serie con bolsas de basura en las que aparecen dibujos con marcador negro sobre bolsas de basura de plástico oscuro. Estas piezas de pared parecen menos caóticas y tienen una estética más relajante.
Faldbakken ha creado muchas instalaciones murales tridimensionales.
Es sorprendente que puedas encontrar obras de Picasso junto con piezas contemporáneas en Art Basel. De hecho, esa es una de las alegrías. Tenemos que admirar y resaltar esta obra y si bien nunca podríamos permitirnos un Picasso, está bien contemplar la pieza y soñar con ponerla en la pared de nuestro salón.
¿Qué más se puede decir sobre estas obras maestras que no se haya dicho ya?
Las piezas de técnica mixta son las favoritas y conjuntos como este son particularmente interesantes. El brasileño Rodrigo Bueno es mejor conocido por sus muebles adornados con materiales naturales. Aquí, sin embargo, ha transformado un cuadro de la misma manera. Titulado María Quechua Kaiapó, es un gran ejemplo de su uso de desechos urbanos para crear su arte y el uso innovador de materiales en la expresión. Una vez más, es una pieza evocadora y llena de significado.
El estudio de Bueno se llama Mata Adentro, que significa "Selva Interior".
Monocromática pero rica en texturas, luces y sombras, esta obra es de Rosemarie Trockel, una artista surrealista alemana. Es conocida por piezas controvertidas que abordan temas como la sexualidad y la cultura, como sus pasamontañas hechos a máquina con símbolos deportivos. Esta pieza es dramática y dominante, incluso con su modesto tamaño.
Instalar esto en una pared de color oscuro aumentaría el factor dramatismo.
Obreros hace una gran declaración social y artística.
Desde la distancia, esto parecía una criatura alzando el vuelo o una mujer desplegando su capa, sin embargo, una inspección más cercana revela que se omite algo muy diferente: una construcción ingeniosa creada a partir de sombreros de papel utilizados en las cocinas comerciales. Creada por la artista mexicana Tania Candiani, Obreros, es una obra grande y dominante que es un cierto punto focal. El sitio web de Candiani señala que está interesada en la intersección de los sistemas lingüísticos, el sonido y la lógica de la tecnología, pero con “cierta nostalgia por lo obsoleto”. La pieza también es una fuerte declaración social porque utiliza sombreros de papel de una empresa estadounidense conocida por contratar inmigrantes ilegales y tratarlos mal.
Una mirada más cercana a las tapas de papel utilizadas en la pieza de Candiani.
Otra obra de Ugo Rondinone nos llamó la atención por sus líneas fluidas y la forma en que evoca movimiento, al igual que lo hacen algunos de los maestros italianos que tallaron en mármol. El torso de la mujer realza la sensación de un remolino, mientras gira en espiral hacia arriba, medio consumida por la espiral. A diferencia del enorme árbol que incluimos anteriormente, ¡esta pieza podría caber en la mayoría de los hogares!
El artista suizo representó a su país de origen en la 52ª Bienal de Venecia.
Mejor conocida por sus calabazas con lunares y ahora por sus Infinity Rooms, altamente publicadas en Instagram, Yayoi Kusama también ha creado un gran volumen de obras más pequeñas, como esta. Llamada Shooting Star in Summer, la pieza fue creada en 1988 a partir de acrílico, fibra sintética y plástico. Los materiales se componen en una caja de madera pintada. Usar el rojo brillante como color dominante para un escenario estelar es inesperado y característico de las piezas de Kusama.
El estilo vanguardista de Kusama está experimentando otro aumento en popularidad.
Adornada con un estampado que recuerda a los textiles con estampado de batik, Yinka Shonebare, nacida en Nigeria, aborda la historia política y social relacionada con el poscolonialismo y la globalización. Artsy señala que Shonebare, miembro de la Excelentísima Orden del Imperio Británico, utiliza imágenes icónicas pero con un toque divertido. Las coloridas esculturas hacen múltiples declaraciones y definitivamente serán un tema de conversación.
Shonebare es conocido por sus figuras vestidas con patrones de batik.
Tanto arte, tan poco tiempo. Así es como nos sentimos cada año con respecto a Art Basel. La creatividad y la imaginación concentradas en un solo lugar pueden ser abrumadoras, pero una cosa es segura: hay algo para todos en esta increíble feria de arte.
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