D'année en année, Art Basel Miami grandit grâce à sa popularité et au nombre rapidement croissant d'expositions d'art simultanées dans la ville. À mesure que l'événement est devenu un who's who de l'art, du design et de la mode, la foire elle-même s'est développée, attirant plus de 82 000 visiteurs en 2017. L'exposition présentait 268 galeries de 32 pays, ce qui rendait difficile pour nous de sélectionner une poignée d'œuvres d'art à présenter. souligner. Voici néanmoins une sélection de pièces qui ont retenu notre attention pour une raison ou une autre.
Chaque année, il y a au moins une œuvre d'envergure qui captive et cette année, on a pensé que c'était celle-ci d'Ugo Rondinone. L'artiste est connu pour son travail éclectique, souvent avec des références et des couleurs pop art, mais aussi pour ses œuvres à grande échelle comme cette sculpture d'arbre en bronze coulé.
L'artiste d'origine suisse travaille à New York.
L'artiste le plus célèbre de Chine est peut-être plus connu pour ses installations – ou son activisme politique et social – mais il crée également des pièces colorées comme cet autoportrait réalisé en Legos. L'autoportrait est similaire aux 176 portraits qu'il a réalisés pour son exposition Trace, se concentrant sur des personnes qu'il considère comme des prisonniers politiques et des prisonniers d'opinion. Le look pixelisé est censé évoquer les photos de surveillance.
L'artiste s'est battu avec Lego au sujet de la « censure » alors qu'ils ne voulaient pas lui vendre une commande groupée.
Une autre pièce colorée était un collage semi-abstrait d'acrylique et de tissu sur bois appelé Tlazolteotl donnant naissance par Alexander Tovberg. On dit que l’artiste fusionne ses rêves, la tradition européenne et la religion pour créer ses œuvres. La sensation de la pièce est difficile à cerner et ce serait une œuvre intrigante pour une maison ou un bureau.
Tovberg est un jeune artiste danois né en 1983.
Lorsque votre espace a besoin d’une bonne dose de néon coloré, tournez-vous vers l’artiste américaine Beverly Fishman. Il s'agit de son Untitled (Digestive Problems), composé de peinture à l'uréthane sur bois. Ses œuvres abstraites sont des discussions sur la technologie et l'industrie pharmaceutique. Fishman est artiste en résidence à la célèbre Cranbrook Academy of Art, où elle enseigne depuis 1992.
Art in America a qualifié Fishman de « peintre avec les préoccupations d’un sculpteur ».
Mélange d'art et de mobilier, cette sculpture de Carl Mannov, d'origine danoise, est destinée à susciter la réflexion et la discussion. Issu d'une série intitulée « Feeding Grounds », il s'agit d'une sculpture remarquable réalisée à partir d'un bureau, de magazines et de bois d'aulne. Pour être correctement appréciée, cette sculpture a besoin d'un espace plus grand où elle puisse se tenir seule et être contemplée.
De nombreuses œuvres que nous avons vues étaient également des déclarations sociales et politiques.
Cette œuvre moelleuse est réalisée en laine tuftée à la main par Caroline Achaintre, qui travaille dans de nombreux médiums, notamment les textiles, la céramique, les imprimés et les aquarelles. Il s’agit d’une pièce très tactile et colorée – comme beaucoup de ses œuvres – qui apporterait vie et texture à un grand mur d’accent. Les pièces d'Achaintre sont censées évoquer l'esprit du Carnaval et ont été qualifiées de « à la fois ludiques et absurdes ».
Les pièces de cet artiste comprennent des tentures murales en laine, des dessins et des peintures.
Le sculpteur Charles Harlan a été cité dans un livre disant que « des objets stupides peuvent devenir des œuvres d’art simplement en les déplaçant quelque part ». L'artiste doit le savoir, car son travail se concentre sur des objets industriels du quotidien qu'il recadre dans un nouveau contexte. Cette œuvre, appelée Palettes, est composée de pierre, de bois, d'acier et de plastique. Bien que ces objets soient individuellement banals, ils forment ensemble un assemblage intrigant et stimulant.
La Galerie Rodolphe Janssen présentait les sculptures d'Harlan.
Le regretté artiste italien Dadamaino – dont le vrai nom était Eduarda Emilia Maino – a créé cette œuvre à charge sociale. En tant que déclaration sociale, elle est malheureusement aussi pertinente aujourd’hui qu’elle l’était le jour de sa création. Choisir d'exposer ce type d'œuvres d'art est une façon d'exprimer une opinion sociale et peut-être de provoquer une conversation avec les invités qui visitent votre maison.
L'artiste d'avant-garde milanaise était surtout connue pour ses œuvres en noir et blanc.
Cette grande sculpture murale de Daniel Buren est graphique et dramatique, typique des œuvres de l'artiste. Buren était une figure importante à Paris dans les années soixante et a remis en question les notions conventionnelles sur l'endroit où l'art peut être vu, écrit Artsy. Il a arrêté de peindre et a commencé à coller des bandes verticales sur toutes sortes de structures à travers la ville. Il s'agit de son haut relief polychrome Daniel Buren, une sculpture en aluminium qui conviendrait parfaitement à un espace moderne et de grande taille.
Vue sous différents angles, l’œuvre change d’apparence.
Nous n'avons pas pu nous empêcher de penser aux papillons et aux insectes que nous avons capturés et épinglés lorsque nous étions enfants lorsque nous avons vu toutes ces épingles. Les collages d'Elliott Hundley contiennent des centaines d'images imprimées sur du papier de riz ainsi que d'autres matériaux. Cette œuvre comprend quelques boutons et coquillages. On dit que le travail de Hundley s'inspire des pièces de théâtre grecques. Nous l'accrocherions dans un salon ou un bureau, dans un endroit où nous pourrions le voir tout le temps. Nous ne pouvons pas nous imaginer nous lasser d'examiner la pièce, de trouver différentes images et éléments, chacun ayant une variété de significations.
Les collages de Hundley sont multidimensionnels.
Cette perspective latérale offre une bonne vue de toutes les épingles utilisées dans la pièce.
Fausto Melotti était connu pour ses sculptures surréalistes, comme celle-ci appelée Contrappunto XI. Le regretté sculpteur italien a travaillé avec toutes sortes de matériaux, notamment le métal, le fil de fer, le plâtre, la céramique et le bois. La petite œuvre présente de petites formes en apesanteur disposées pour être suspendues en harmonie. C'est une petite sculpture apaisante mais aussi ludique avec ses petites boules de métal et ses tours de fil.
Certaines formes reflètent l'intérêt de l'artiste pour la musique.
Cette sculpture anthropomorphe a beaucoup attiré. Boucherouite V de Francesca DiMattio est une pièce en porcelaine et en grès émaillé qui ressemble à une figure, mais ne le est pas vraiment. Ses œuvres s'inspirent, entre autres, de l'architecture Renaissance et gothique ainsi que des motifs de dentelle et de courtepointe. Les spectateurs continuent de faire le tour de la sculpture, s'attendant à trouver le visage, cherchant le devant de la pièce, mais il n'est pas là. Très intrigant.
Cette œuvre, présentée par le Salon 94, est intitulée Boucherouite V.
Tous les types d’art néon pouvaient être trouvés à Art Basel, mais celui-ci intriguait par sa simplicité. Le Décrochage n°8 de François Morellet est composé de peinture acrylique sur toile sur bois. Morellet a travaillé dans l'art minimal et conceptuel et a joué un rôle important dans le développement de l'art abstrait géométrique. Le néon était son matériau de prédilection. Selon Artsy, Morellet a déclaré : « Nous étions passionnés par les matériaux modernes qui n'avaient pas encore été « pollués » par l'art traditionnel. Nous aimions particulièrement tout ce qui pouvait produire du mouvement ou de la lumière.
L'artiste français était une figure importante de l'art à partir des années soixante.
La boule à facettes suspendue de Haegue Yang est époustouflante non seulement par son éclat et sa forme, mais aussi par les ombres étonnantes qu'elle projette sur les murs. C'est la pièce parfaite pour un espace minimaliste avec suffisamment d'espace mural pour laisser les ombres s'exprimer. Les doubles bords en cuivre créent des formes géométriques intéressantes sur le mur qui se répètent dans chacune des facettes.
Qui a besoin d’art mural quand vous avez des ombres incroyables comme celles-ci.
Un autre pendentif suspendu que nous avons découvert est cette œuvre sans titre de Jorge Pardo. La sculpture en aluminium thermolaqué comprend des lumières suspendues à un cintre courbé en bois de sapelli. Peut-être avons-nous été attirés par eux parce qu'il s'agit de luminaires essentiellement artistiques de cet artiste cubano-américain, dont les œuvres fusionnent art et design. C'est une superbe œuvre d'art qui fait également office de magnifique luminaire.
Les couleurs sourdes sont discrètes et sophistiquées.
L'une des caractéristiques d'Art Basel chaque année est le Kabinett, qui permet aux galeries de présenter un artiste individuel dans leurs stands dans un espace spécialement délimité. La galerie Zeno X présentait Kim Jones et une variété de ses œuvres, y compris cette pièce basée sur une chemise. Jones a commencé comme artiste de performance avec l'alter ego de Mudman, un itinérant aux allures de chaman. Il s'est enduit de boue et d'autres choses organiques et est apparu dans différents lieux publics de Los Angeles. Présent à New York depuis les années 1980, Jones se concentre sur des thèmes liés à la guerre.
Utiliser un objet inattendu comme toile est toujours intéressant.
Les détails complexes du dessin sont étonnants.
Si vous voulez quelque chose d'éclatant et de coloré, essayez Le Parapluie Jaune de Maryam Haddad. La peinture à l’huile est en fait un triptyque et dégage un sentiment impressionniste presque abstrait. On distingue juste la jeune femme et le parapluie jaune du titre. C'est une pièce joyeuse qui égayera n'importe quel espace.
Cela nous rappelle en quelque sorte la peinture de pique-nique de Renoir.
C'est peut-être la boucle, ou peut-être le bois, mais nous adorons ces pièces murales de l'artiste norvégien Matias Faldbakken. Il utilise « les actes de vandalisme traditionnels et leurs matériaux » pour générer des formes esthétiques, explique Artsy. Il est peut-être surtout connu pour son travail avec du ruban adhésif noir, un clin d'œil à la culture du graffiti, mais aussi pour une série de sacs poubelles dont les dessins au marqueur noir sont imprimés sur des sacs poubelles en plastique foncé. Ces pièces murales semblent moins chaotiques et ont une esthétique plus apaisante.
Faldbakken a créé de nombreuses installations murales tridimensionnelles.
C'est étonnant qu'on puisse trouver des œuvres de Picasso à côté des pièces contemporaines à Art Basel. En fait, c'est l'une des joies. Il faut admirer et mettre en valeur cette œuvre et même si nous n'avons jamais pu nous permettre un Picasso, il est bon de contempler l'œuvre et de rêver de la mettre sur le mur de notre salon.
Que pouvez-vous dire de plus sur de tels chefs-d’œuvre qui n’a déjà été dit.
Les pièces en techniques mixtes sont très appréciées et les assemblages comme celui-ci sont particulièrement intéressants. Le Brésilien Rodrigo Bueno est surtout connu pour ses meubles ornés de matériaux naturels. Mais ici, il a transformé un tableau de la même manière. Intitulé Maria Quechua Kaiapó, c'est un excellent exemple de son utilisation des déchets urbains pour créer son art et de l'utilisation innovante des matériaux dans l'expression. Encore une fois, c’est une pièce évocatrice et pleine de sens.
Le studio de Bueno s'appelle Mata Adentro, ce qui signifie « la jungle à l'intérieur ».
Monochrome mais riche en texture, lumière et ombres, cette œuvre est de Rosemarie Trockel, une artiste surréaliste allemande. Elle est connue pour ses pièces controversées qui abordent des sujets tels que la sexualité et la culture, comme ses cagoules fabriquées à la machine et arborant des symboles. Cette pièce est dramatique et dominante, même avec sa taille modeste.
L’installer sur un mur de couleur sombre augmenterait le facteur dramatique.
Obreros fait une grande déclaration sociale et artistique.
De loin, cela ressemblait à une créature prenant son envol ou à une femme déployant sa cape, mais une inspection plus approfondie révèle une omission très différente : une construction astucieuse créée à partir de chapeaux en papier utilisés dans les cuisines commerciales. Créée par l'artiste mexicaine Tania Candiani, Obreros est une œuvre volumineuse et dominante qui constitue un certain point central. Le site Web de Candiani indique qu'elle s'intéresse à l'intersection des systèmes linguistiques, du son et des logiques de la technologie, mais avec « une certaine nostalgie de l'obsolète ». L'œuvre est également une déclaration sociale forte car elle utilise des chapeaux en papier d'une entreprise américaine réputée pour embaucher des immigrants illégaux et les maltraiter.
Regardons de plus près les capuchons en papier utilisés dans l'œuvre de Candiani.
Une autre œuvre d'Ugo Rondinone a attiré notre attention pour ses lignes fluides et la manière dont elle évoque le mouvement, à l'image de certains maîtres italiens sculpteurs de marbre. Le torse de la femme renforce la sensation d'un tourbillon, alors qu'elle monte en spirale, à moitié consumée par la spirale. Contrairement à l’arbre massif que nous avons inclus plus tôt, cette pièce pourrait s’adapter à la plupart des maisons !
L'artiste suisse a représenté son pays d'origine à la 52e Biennale de Venise.
Mieux connue pour ses citrouilles à pois et maintenant ses Infinity Rooms très Instagramisées, Yayoi Kusama a également créé un grand nombre d'œuvres plus petites, comme celle-ci. Appelée Shooting Star in Summer, la pièce a été créée en 1988 à partir d’acrylique, de fibres synthétiques et de plastique. Les matériaux sont composés dans une caisse en bois peint. Utiliser le rouge vif comme couleur dominante pour un décor stellaire est inattendu et caractéristique des pièces de Kusama.
Le style avant-gardiste de Kusama connaît un nouvel regain de popularité.
Ornée d'un imprimé qui rappelle les textiles imprimés batik, Yinka Shonebare, d'origine nigériane, s'attaque à l'histoire politique et sociale liée au postcolonialisme et à la mondialisation. Artsy note que Shonebare, qui est membre de l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique, utilise des images emblématiques mais avec une touche ludique. Les sculptures colorées font de multiples déclarations et seront un sujet de conversation certain.
Shonebare est connu pour ses personnages habillés de motifs batik.
Tant d'art, si peu de temps. C'est ce que nous ressentons chaque année à propos d'Art Basel. La créativité et l'imagination concentrées en un seul endroit peuvent être écrasantes, mais une chose est sûre : il y en a pour tous les goûts lors de cette incroyable foire d'art.
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