Ogni anno successivo, Art Basel Miami cresce di dimensioni grazie alla sua popolarità e al numero in rapida espansione di mostre d'arte simultanee in città. Man mano che l'evento è diventato un punto di riferimento nel campo dell'arte, del design e della moda, la fiera stessa è cresciuta, attirando più di 82.000 visitatori nel 2017. La mostra ha presentato 268 gallerie provenienti da 32 paesi, rendendo difficile per noi scegliere una manciata di opere d'arte da elencare. evidenziare. Tuttavia, ecco una selezione di pezzi che hanno attirato la nostra attenzione per un motivo o per l'altro.
Ogni anno c'è almeno un pezzo di grandi dimensioni che affascina e quest'anno abbiamo pensato che fosse questo di Ugo Rondinone. L'artista è noto per il suo lavoro eclettico, spesso con riferimenti e colori pop art, ma anche per opere su larga scala come questa scultura ad albero in bronzo fuso.
L'artista svizzero lavora a New York.
L'artista più famoso della Cina potrebbe essere più conosciuto per le sue installazioni – o per il suo attivismo politico e sociale – ma crea anche pezzi colorati come questo autoritratto realizzato con i Lego. L'autoritratto è simile ai 176 ritratti che ha realizzato per la sua mostra chiamata Trace, concentrandosi su persone che considera prigionieri politici e prigionieri di coscienza. L'aspetto pixelato ha lo scopo di evocare le foto di sorveglianza.
L'artista ha combattuto con la Lego per la "censura" quando non gli avrebbero venduto un ordine all'ingrosso.
Un altro pezzo colorato era il collage semi-astratto di acrilico e tessuto su legno chiamato Tlazolteotl che dà i natali di Alexander Tovberg. Si dice che l'artista fondi i suoi sogni, la tradizione europea e la religione per creare i suoi pezzi. La sensazione del pezzo è difficile da definire e sarebbe un lavoro intrigante per una casa o un ufficio.
Tovberg è un giovane artista danese, nato nel 1983.
Quando il tuo spazio ha bisogno di una buona dose di neon colorati, guarda l'artista americana Beverly Fishman. Questo è il suo Senza titolo (Problemi digestivi), composto da vernice uretanica su legno. Le sue opere astratte sono discussioni sulla tecnologia e sull'industria farmaceutica. Fishman è un'artista residente presso la rinomata Cranbrook Academy of Art, dove insegna dal 1992.
Art in America ha definito Fishman un "pittore con le preoccupazioni di uno scultore".
In una fusione di arte e arredamento, questa scultura del danese Carl Mannov vuole provocare riflessioni e discussioni. Parte da una serie chiamata "Feeding Grounds", è una scultura di grande impatto realizzata con una scrivania, riviste e legno di ontano. Per essere adeguatamente apprezzata, questa scultura necessita di uno spazio più ampio dove possa stare solitaria ed essere contemplata.
Molte delle opere che abbiamo visto erano anche dichiarazioni sociali e politiche.
Questo soffice lavoro è realizzato in lana trapuntata a mano da Caroline Achaintre, che lavora con diversi mezzi, tra cui tessuti, ceramica, stampe e acquerelli. È un pezzo molto tattile e colorato – come lo sono molti dei suoi lavori – che darebbe vita e consistenza a una grande parete caratteristica. I pezzi di Achaintre hanno lo scopo di evocare lo spirito del Carnevale e sono stati definiti "allo stesso tempo giocosi e assurdi".
Le opere di questo artista includono arazzi in lana, disegni e dipinti.
Lo scultore Charles Harlan è stato citato in un libro dicendo che “gli oggetti stupidi possono diventare opere d’arte semplicemente spostandoli da qualche parte”. L'artista dovrebbe saperlo, poiché il suo lavoro si concentra su oggetti industriali di tutti i giorni che reinquadra in un nuovo contesto. Quest'opera, chiamata Pallets, è composta da pietra, legno, acciaio e plastica. Sebbene questi oggetti presi singolarmente siano banali, insieme formano un assemblaggio intrigante e stimolante.
La Galleria Rodolphe Janssen ha presentato le sculture di Harlan.
Il defunto artista italiano Dadamaino – il cui vero nome era Eduarda Emilia Maino – ha creato quest'opera dalla forte carica sociale. Come dichiarazione sociale, purtroppo, è attuale oggi come lo era il giorno in cui è stata creata. Scegliere di esporre questo tipo di opere d'arte è un modo per esprimere un'opinione sociale e magari provocare una conversazione con gli ospiti che visitano la tua casa.
L'artista d'avanguardia milanese era nota soprattutto per le sue opere in bianco e nero.
Questa grande scultura da parete di Daniel Buren è grafica e drammatica, tipica delle opere dell'artista. Buren era famoso a Parigi negli anni Sessanta e sfidò le nozioni convenzionali su dove si potesse vedere l'arte, scrive Artsy. Smise di dipingere e iniziò ad incollare strisce verticali su tutti i tipi di strutture in tutta la città. Questo è il suo altorilievo policromo Daniel Buren, una scultura in alluminio che si adatterebbe perfettamente a uno spazio moderno e di considerevoli dimensioni.
Vista da diverse angolazioni, l’opera cambia aspetto.
Non potevamo fare a meno di pensare alle farfalle e agli insetti che abbiamo catturato e appuntato quando eravamo bambini quando abbiamo visto tutti questi spilli. I collage di Elliott Hundley contengono centinaia di immagini stampate su carta di riso insieme ad altri materiali. Quest'opera include alcuni bottoni e conchiglie. Si dice che il lavoro di Hundley sia ispirato alle opere greche. Lo appenderemmo in salotto o in studio, da qualche parte in modo da poterlo vedere sempre. Non possiamo immaginare di stancarci mai di esaminare l'opera, trovando immagini ed elementi diversi, ciascuno con una varietà di significati.
I collage di Hundley sono multidimensionali.
Questa prospettiva laterale offre una buona visione di tutti i perni utilizzati nel pezzo.
Fausto Melotti era noto per le sue sculture surrealiste, come questa chiamata Contrappunto XI. Il defunto scultore italiano ha lavorato con tutti i tipi di materiali tra cui metallo, filo, gesso, ceramica e legno. La piccola opera presenta piccole forme senza peso disposte per essere appese in armonia. È una piccola scultura rilassante che è anche giocosa con le sue piccole sfere di metallo e i suoi giri di filo.
Alcune forme riflettono l'interesse dell'artista per la musica.
Questa scultura antropomorfa è stata una grande attrazione. Boucherouite V di Francesca DiMattio, è un pezzo in porcellana smaltata e gres che sembra una figura, ma non lo è realmente. Le sue opere sono ispirate, tra le altre cose, all'architettura rinascimentale e gotica, nonché ai modelli di pizzi e trapunte. Gli spettatori continuano a girare intorno alla scultura, aspettandosi di trovare il volto, cercando la parte anteriore dell'opera, ma non è lì. Molto intrigante.
Quest'opera, presentata al Salon 94, si intitola Boucherouite V.
Ad Art Basel si potevano trovare tutti i tipi di arte al neon, ma questa era intrigante nella sua semplicità. Décrochage n°8 di François Morellet è composto da pittura acrilica su tela su legno. Morellet ha lavorato nell'arte minimale e concettuale ed è stato importante nello sviluppo dell'arte astratta geometrica. Il neon era il suo materiale preferito. Secondo Artsy, Morellet ha affermato che “Eravamo appassionati di materiali moderni che non erano ancora stati 'inquinati' dall'arte tradizionale. Ci piaceva particolarmente tutto ciò che poteva produrre movimento o luce”.
L'artista francese è stato una figura importante nell'arte a partire dagli anni Sessanta.
La palla sfaccettata sospesa di Haegue Yang è sorprendente non solo per la sua lucentezza e forma, ma anche per le incredibili ombre che proietta sulle pareti. Questo è il pezzo perfetto per uno spazio minimalista con abbastanza spazio sulle pareti per lasciare che le ombre facciano una dichiarazione. I doppi bordi in rame creano interessanti geometrie sulla parete che si ripetono all'interno di ciascuna sfaccettatura.
Chi ha bisogno di quadri murali quando hai ombre incredibili come queste?
Un altro pendente sospeso che abbiamo scoperto è quest'opera senza titolo di Jorge Pardo. La scultura in alluminio verniciato a polvere comprende luci appese a un sinuoso gancio in legno di sapele. Forse siamo stati attratti da loro perché sono essenzialmente apparecchi di illuminazione artistici di questo artista cubano-americano, le cui opere fondono arte e design. È una straordinaria opera d'arte che funge anche da meravigliosa lampada.
I colori tenui sono sobri e sofisticati.
Una delle caratteristiche di Art Basel ogni anno è il Kabinett, che consente alle gallerie di presentare un singolo artista all'interno dei propri stand in uno spazio appositamente delineato. La Galleria Zeno X presentava Kim Jones e una varietà di sue opere, incluso questo pezzo basato su una maglietta. Jones ha iniziato come artista performativo con l'alter ego di Mudman, uno sciamano itinerante. Si è incrostato di fango e altre cose organiche ed è apparso in diversi luoghi pubblici di Los Angeles. A New York dagli anni '80 Jones si concentra su temi legati alla guerra.
Usare un oggetto inaspettato come tela è sempre interessante.
Gli intricati dettagli del disegno sono sorprendenti.
Se vuoi qualcosa di vistoso e colorato, prova Le Parapluie Jaune di Maryam Haddad. Il dipinto ad olio è in realtà un trittico e ha un sentimento impressionista quasi astratto. Si intravede appena la giovane donna e l'ombrello giallo del titolo. È un pezzo felice che illuminerebbe qualsiasi spazio.
Questo ci ricorda il dipinto del picnic di Renoir.
Forse è il ricciolo, o forse è il legno, ma adoriamo questi pezzi da parete dell'artista norvegese Matias Faldbakken. Usa “atti tradizionali di vandalismo e i suoi materiali” per generare forme estetiche, dice Artsy. Potrebbe essere meglio conosciuto per il suo lavoro con il nastro adesivo nero in un cenno alla cultura dei graffiti, ma anche per una serie con sacchi della spazzatura che presentano disegni in pennarello nero su sacchi della spazzatura di plastica scura. Questi pezzi da parete sembrano meno caotici e hanno un’estetica più rilassante.
Faldbakken ha realizzato numerose installazioni murali tridimensionali.
È sorprendente che ad Art Basel si possano trovare opere di Picasso insieme a opere contemporanee. In effetti, questa è una delle gioie. Dobbiamo ammirare ed evidenziare quest'opera e anche se non potremmo mai permetterci un Picasso, è bello contemplare l'opera e sognare di appenderla alla parete del nostro soggiorno.
Cos'altro si può dire di questi capolavori che non sia già stato detto.
I pezzi con tecnica mista sono i preferiti e gli assemblaggi come questo sono particolarmente interessanti. Il brasiliano Rodrigo Bueno è noto soprattutto per i suoi arredi impreziositi da materiali naturali. Qui, però, ha trasformato un dipinto allo stesso modo. Intitolato Maria Quechua Kaiapó, è un ottimo esempio del suo utilizzo dei rifiuti urbani per creare la sua arte e dell'uso innovativo dei materiali nell'espressione. Ancora una volta, è un pezzo evocativo e pieno di significato.
Lo studio di Bueno si chiama Mata Adentro, che significa "Giungla Dentro".
Monocromo ma ricco di texture, luci e ombre, quest'opera è di Rosemarie Trockel, artista surrealista tedesca. È nota per pezzi controversi che affrontano argomenti come la sessualità e la cultura, come i simboli sportivi dei suoi passamontagna realizzati a macchina. Questo pezzo è drammatico e dominante, anche con le sue dimensioni modeste.
Installarlo su una parete di colore scuro aumenterebbe il fattore drammatico.
Obreros fa una grande dichiarazione sociale oltre che artistica.
Da lontano sembrava una creatura che prendeva il volo o una donna che spiegava il suo mantello, ma un esame più attento rivela che l'omissione è molto diversa: una costruzione artistica creata da cappelli di carta utilizzati nelle cucine commerciali. Creato dall'artista messicana Tania Candiani, Obreros, è un'opera grande e dominante che costituisce un certo punto focale. Il sito web di Candiani rileva che è interessata all'intersezione tra sistemi linguistici, suoni e logiche della tecnologia, ma con “una certa nostalgia per l'obsoleto”. Il pezzo è anche una forte dichiarazione sociale perché utilizza cappelli di carta di un'azienda americana nota per assumere immigrati clandestini e trattarli male.
Uno sguardo più da vicino ai cappucci di carta utilizzati nel pezzo di Candiani.
Un'altra opera di Ugo Rondinone ha attirato la nostra attenzione per le sue linee fluide e il modo in cui evoca il movimento, proprio come fanno alcuni maestri italiani che scolpiscono il marmo. Il busto della donna esalta la sensazione di un vortice vorticoso, mentre si muove a spirale verso l'alto, metà consumata dalla spirale. A differenza dell'enorme albero che abbiamo incluso in precedenza, questo pezzo potrebbe adattarsi alla maggior parte delle case!
L'artista svizzero ha rappresentato il suo paese natale alla 52a Biennale di Venezia.
Meglio conosciuta per le sue zucche a pois e ora per le sue Infinity Rooms altamente Instagramate, Yayoi Kusama ha anche creato un grande volume di opere più piccole, come questa. Chiamato Shooting Star in Summer, il pezzo è stato creato nel 1988 in acrilico, fibra sintetica e plastica. I materiali sono composti in una scatola di legno verniciato. L'uso del rosso brillante come colore dominante per un'ambientazione stellare è inaspettato e caratteristico dei pezzi di Kusama.
Lo stile d'avanguardia di Kusama sta vedendo un'altra ondata di popolarità.
Decorata con una stampa che ricorda i tessuti stampati batik, Yinka Shonebare, nata in Nigeria, affronta la storia politica e sociale connessa al postcolonialismo e alla globalizzazione. Artsy sottolinea che Shonebare, membro dell'Eccellentissimo Ordine dell'Impero Britannico, utilizza immagini iconiche ma con un tocco giocoso. Le sculture colorate fanno molteplici affermazioni e saranno sicuramente un inizio di conversazione.
Shonebare è noto per le sue figure vestite con motivi batik.
Così tanta arte, così poco tempo. È quello che proviamo ogni anno nei confronti di Art Basel. La creatività e l'immaginazione concentrate in un unico luogo possono essere travolgenti, ma una cosa è certa: c'è qualcosa per tutti in questa straordinaria fiera d'arte.
Se ti piace la nostra pagina condividila con i tuoi amici & Facebook
