For hvert påfølgende år vokser Art Basel Miami i størrelse takket være sin popularitet og det raskt voksende antallet samtidige kunstutstillinger i byen. Ettersom arrangementet har blitt en hvem er hvem av kunst, design og mote, har selve messen vokst og tiltrekker seg mer enn 82 000 besøkende i 2017. Showet inneholdt 268 gallerier fra 32 land, noe som gjorde det vanskelig for oss å velge en håndfull kunstverk til fremheve. Ikke desto mindre, her er et utvalg av stykker som fanget vår oppmerksomhet av en eller annen grunn.
Hvert år er det minst ett stykke i stor skala som fenger, og i år trodde vi at det var denne av Ugo Rondinone. Kunstneren er kjent for eklektisk arbeid, ofte med popkunstreferanser og farger, men også for verk i stor skala som denne støpte bronseskulpturen.
Den sveitsiskfødte kunstneren jobber i New York.
Kinas mest kjente kunstner er kanskje mer kjent for sine installasjoner – eller hans politiske og sosiale aktivisme – men han lager også fargerike stykker som dette selvportrettet laget i Legos. Selvportrettet ligner de 176 portrettene han laget for showet sitt kalt Trace, med fokus på mennesker som han anser som politiske fanger og samvittighetsfanger. Det pikselerte utseendet er ment å fremkalle overvåkingsbilder.
Artisten kjempet med Lego om "sensur" da de ikke ville selge ham en massebestilling.
Et annet fargerikt stykke var semi-abstrakt akryl og stoff collage på tre kalt Tlazolteotl som fødte av Alexander Tovberg. Kunstneren sies å smelte sammen drømmene sine, europeisk foldtradisjon og religion for å komme opp med verkene sine. Følelsen av stykket er vanskelig å fastsette, og det ville være et spennende arbeid for et hjem eller kontor.
Tovberg er en ung dansk kunstner, født i 1983.
Når plassen din trenger en god dose fargerik neon, se til den amerikanske kunstneren Beverly Fishman. Dette er hennes Untitled (fordøyelsesproblemer), som er sammensatt av uretanmaling på tre. Hennes abstrakte arbeider er diskusjoner om teknologi og farmasøytisk industri. Fishman er en artist-in-residence ved det anerkjente Cranbrook Academy of Art, hvor hun har undervist siden 1992.
Kunst i Amerika kalte Fishman en "maler med bekymringene til en skulptør."
I en blanding av kunst og møbler er denne skulpturen av danskfødte Carl Mannov ment å vekke til ettertanke og diskusjon. Fra en serie kalt "Feeding Grounds" er det en statement-skulptur laget av et skrivebord, magasiner og ortre. For å bli verdsatt på riktig måte, trenger denne skulpturen en større plass der den kan stå alene og bli betraktet.
Mange verk vi så var også sosiale og politiske uttalelser.
Dette fluffy verket er laget av håndtuftet ull av Caroline Achaintre, som jobber i en rekke medier, inkludert tekstiler, keramikk, trykk og akvareller. Det er et veldig taktilt stykke så fargerikt – som mange av hennes arbeider – som ville bringe liv og tekstur til en stor veggvegg. Achaintres stykker er ment å fremkalle karnevalsånden og har blitt kalt «samtidig lekne og absurde».
Denne kunstnerens stykker inkluderer veggtepper i ull, tegninger og malerier.
Billedhugger Charles Harlan ble sitert i en bok som sa at "dumme gjenstander kan bli kunstverk bare ved å flytte dem et sted." Kunstneren bør vite, ettersom arbeidet hans fokuserer på hverdagslige, industrielle objekter som han omformer i en ny kontekst. Dette verket, kalt Paller, er satt sammen av stein, tre, stål og plast. Selv om disse objektene hver for seg er hverdagslige, danner de sammen en spennende, men provoserende samling.
Rodolphe janssen Gallery presenterte Harlans skulpturer.
Den avdøde italienske kunstneren Dadamaino – som egentlig heter Eduarda Emilia Maino – skapte dette sosialt ladede verket. Som et sosialt utsagn er det dessverre like relevant i dag som det var dagen det ble opprettet. Å velge å vise denne typen kunstverk er en måte å uttrykke en sosial mening på og kanskje provosere frem en samtale med gjestene som besøker hjemmet ditt.
Den milanesiske avantgardekunstneren var mest kjent for sine svart-hvite verk.
Denne store veggskulpturen av Daniel Buren er grafisk og dramatisk, typisk for kunstnerens verk. Buren var stor i Paris på sekstitallet og utfordret konvensjonelle forestillinger om hvor kunst kan sees, skriver Artsy. Han sluttet å smerte og begynte å lime vertikale striper på alle slags strukturer over hele byen. Dette er hans Daniel Buren Polychrome High Relief, en aluminiumsskulptur som ville passet best inn i et moderne – og betydelig – rom.
Sett fra forskjellige vinkler skifter verket utseendet.
Vi kunne ikke la være å tenke på sommerfuglene og insektene vi fanget og festet da vi var barn da vi så alle disse pinnene. Elliott Hundleys collager inneholder hundrevis av bilder trykt på rispapir sammen med andre materialer. Dette arbeidet inkluderer noen knapper og skjell. Hundleys arbeid sies å være inspirert av greske skuespill. Vi ville henge dette i en stue eller et arbeidsrom, et sted vi kunne se det hele tiden. Vi kan ikke forestille oss at det blir slitsomt å undersøke stykket, finne forskjellige bilder og elementer, hver med en rekke betydninger.
Hundleys collager er flerdimensjonale.
Dette sideperspektivet gir god oversikt over alle pinnene som brukes i stykket.
Fausto Melotti var kjent for sine surrealistiske skulpturer, som denne kalt Contrappunto XI. Den avdøde italienske billedhuggeren jobbet med alle slags materialer, inkludert metall, tråd, gips, keramikk og tre. Det lille verket har vektløse små former arrangert for å henge i harmoni. Det er en beroligende liten skulptur som også er leken med sine små metallkuler og ledninger.
Noen av formene gjenspeiler artistens interesse for musikk.
Denne antropomorfe skulpturen var et stort trekkplaster. Francesca DiMattios Boucherouite V, er et glassert porselen og steintøy som virker som en figur, men som egentlig ikke er det. Arbeidene hennes er informert om blant annet renessanse- og gotisk arkitektur, samt blonder og quiltemønstre. Seerne fortsetter å sirkle rundt skulpturen, forventer å finne ansiktet, leter etter forsiden av stykket, men det er ikke der. Veldig spennende.
Dette verket, presentert av Salon 94, har tittelen Boucheroute V.
Alle typer neonkunst kunne bli funnet på Art Basel, men denne var spennende i sin enkelhet. Décrochage n°8 av François Morellet er sammensatt av akrylmaling på lerret på tre. Morellet jobbet i minimal og konseptuell kunst, var viktig i utviklingen av geometrisk abstrakt kunst. Neon var hans foretrukne materiale. I følge Artsy sa Morellet at "Vi var lidenskapelig opptatt av moderne materialer som ennå ikke hadde blitt 'forurenset' av tradisjonell kunst. Vi likte spesielt alt som kunne produsere bevegelse eller lys.»
Den franske kunstneren var en viktig figur i kunsten fra sekstitallet.
Haegue Yangs hengende fasetterte ball er fantastisk ikke bare for sin glans og form, men for de fantastiske skyggene den kaster på veggene. Dette er det perfekte stykket for et minimalistisk rom med nok vanlig veggplass til å la skyggene gjøre en uttalelse. De doble kobberkantene skapte interessant geometri på veggen som gjentas innenfor hver av fasettene.
Hvem trenger veggkunst når du har fantastiske skygger som disse.
Et annet hengende anheng vi oppdaget er dette verket uten tittel av Jorge Pardo. Skulpturen av pulverlakkert aluminium, inkluderer lys som henger fra en buet sapele trehenger. Kanskje ble vi tiltrukket av dem fordi de i hovedsak er kunstneriske lysarmaturer av denne cubanske amerikanske kunstneren, hvis verk smelter sammen kunst og design. Det er et fantastisk kunstverk som fungerer som en fantastisk lysarmatur.
De dempede fargene er lavmælte og sofistikerte.
En av funksjonene til Art Basel hvert år er Kabinett, som lar gallerier vise en individuell kunstner i sine boder i et spesielt avgrenset rom. Zeno X Gallery inneholdt Kim Jones og en rekke av hans verk, inkludert dette skjortebaserte stykket. Jones startet som performancekunstner med alter egoet til Mudman, en sjamanlignende omreisende. Han kaket seg i gjørme og andre organiske ting og dukket opp på forskjellige offentlige steder i Los Angeles. I New York siden 1980-tallet har Jones fokusert på temaer knyttet til krig.
Å bruke en uventet gjenstand som et lerret er alltid interessant.
De intrikate detaljene i tegningen er forbløffende.
Hvis du vil gå for noe sprutende og fargerikt, prøv Maryam Haddads Le Parapluie Jaune. Oljemaleriet er egentlig en triptyk, og har en nærmest abstrakt impresjonistisk følelse. Du kan bare skimte den unge kvinnen og den gule paraplyen til tittelen. Det er et glad stykke som vil lyse opp ethvert rom.
Denne typen minner oss om Renoirs piknik-maleri.
Kanskje det er krøllen, eller kanskje det er treet, men vi elsker disse veggdekorasjonene av norsk kunst Matias Faldbakken. Han bruker "tradisjonelle hærverk og dets materialer" for å generere estetiske former, sier Artsy. Han er kanskje mest kjent for sitt arbeid med svart tape i et nikk til graffitikulturen, men også for en serie med søppelsekker funksjonstegningene i svart tusj på mørke plastsøppelsekker. Disse veggstykkene virker mindre kaotiske og har en mer beroligende estetikk.
Faldbakken har laget mange tredimensjonale vegginstallasjoner.
Det er utrolig at du kan finne verk av Picasso sammen med moderne stykker på Art Basel. Det er faktisk en av gledene. Vi må beundre og fremheve dette verket, og selv om vi aldri hadde råd til en Picasso, er det fint å tenke på stykket og drømme om å sette det på veggen i stuen vår.
Hva mer kan du si om slike mesterverk som ikke allerede er sagt.
Blandede medier er en favoritt, og samlinger som dette er spesielt interessante. Brasils Rodrigo Bueno er mest kjent for sine møbler som er pyntet med naturlige materialer. Her har han imidlertid forvandlet et maleri på samme måte. Med tittelen Maria Quechua Kaiapó, er det et flott eksempel på hans bruk av urbant avfall for å skape sin kunst og nyskapende bruk av materialer i uttrykk. Igjen, det er et stemningsfullt stykke og rikt med mening.
Buenos studio heter Mata Adentro, som betyr «Jungelen inne».
Monokrom, men likevel rik på tekstur, lys og skygger, er dette verket av Rosemarie Trockel, en tysk surrealistisk kunstner. Hun er kjent for kontroversielle stykker som tar opp temaer som seksualitet og kultur, for eksempel hennes maskinlagde balaklava-sportssymboler. Dette stykket er dramatisk og dominerende, selv med sin beskjedne størrelse.
Å installere dette på en mørk vegg vil øke dramafaktoren.
Obreros gjør en stor sosial så vel som kunstnerisk uttalelse.
På avstand så dette ut som en skapning på flukt eller en kvinne som foldet ut kappen sin, men nærmere ettersyn avslører at det er svært forskjellig: En kunstferdig konstruksjon laget av papirhatter brukt i storkjøkken. Laget av den meksikanske kunstneren Tania Candiani, Obreros, er et stort og dominerende verk som er et visst fokuspunkt. Candianis nettsted bemerker at hun er interessert i skjæringspunktet mellom språksystemer, lyd og teknologiske logikker, men med "nostalgi etter det foreldede." Stykket er også et sterkt sosialt utsagn fordi det bruker papirhatter fra et amerikansk selskap som er kjent for å ansette ulovlige innvandrere og behandle dem dårlig.
En nærmere titt på papirhettene som ble brukt i Candianis stykke.
Et annet verk av Ugo Rondinone trakk vår oppmerksomhet for sine flytende linjer og måten det fremkaller bevegelse på, akkurat som noen av de italienske mesterne som skåret i marmor. Kvinnens torso forsterker følelsen av en virvlende virvel, mens hun spiraler oppover, halvparten oppslukt av spiralen. I motsetning til det massive treet vi inkluderte tidligere, kan dette stykket passe inn i de fleste hjem!
Den sveitsiske artisten representerte hjemlandet sitt på den 52. Venezia-biennalen.
Yayoi Kusama er mest kjent for sine prikkede gresskar og nå sine svært Instagramed Infinity Rooms, og har også laget et stort volum med mindre verk, som dette. Kalt Shooting Star in Summer, ble stykket laget i 1988 av akryl, syntetisk fiber og plast. Materialene er satt sammen i en malt trekasse. Å bruke knallrødt som den dominerende fargen for en fantastisk setting er uventet og karakteristisk for Kusamas stykker.
Kusamas avantgarde-stil ser enda en økning i popularitet.
Utsmykket i et trykk som minner om batikktrykktekstiler, tar den nigerianskfødte Yinka Shonebare politisk og sosial historie knyttet til postkolonialisme og globalisering. Artsy bemerker at Shonebare, som er medlem av The Most Excellent Order of the British Empire, bruker ikoniske bilder, men med et lekent preg. De fargerike skulpturene gir flere uttalelser og vil være en klar samtalestarter.
Shonebare er kjent for sine figurer kledd i batikkmønstre.
Så mye kunst, så lite tid. Det er slik vi føler om Art Basel hvert år. Kreativiteten og fantasien konsentrert på ett sted kan være overveldende, men én ting er sikkert: Det er noe for enhver smak på denne fantastiske kunstmessen.
Hvis du liker siden vår, del gjerne med vennene dine & Facebook
