Art Basel obejmuje prawie wszystkie gatunki sztuki, ale jednym z naszych ulubionych jest sztuka rzeźbiarska, niezależnie od tego, czy jest to grafika ścienna, samodzielna rzeźba czy instalacja. Jeśli Ci się to podoba, każdy z tych stylów to świetny sposób na dodanie głębi, zainteresowania i być może koloru do Twojej przestrzeni życiowej. Zebraliśmy nasze typy z niedawnego Art Basel Miami 2016.
Niektóre z najciekawszych elementów wykorzystują znalezione przedmioty. Ten wykorzystuje puste kanistry po benzynie ozdobione sylwetką Stanów Zjednoczonych. Niektóre z nich wydają się nawet mieć twarz. To dzieło, które budzi zainteresowanie i stawia pytania filozoficzne.
Monochromatyczna kolorystyka jest bardzo dramatyczna.
Papier morwowy jest dekorowany, barwiony i starannie owijany wokół małych kawałków styropianu, które w pomysłowy sposób ułożył Kwang-Young Chun. Powstała duża grafika ma niesamowity kolor, głębię i fakturę ombre. Mimo że są to elementy ścienne, przekazują wrażenie dramatycznej głębi, niczym miniaturowy górski krajobraz.
Agregacja Kwong-Young Chuna 16.
Zbliżenie drobnych elementów dużego elementu.
Choć na edycji Art Basel Miami w 2016 roku zauważyliśmy mniej „mebli jako sztuki”, znaleźliśmy kilka intrygujących prac. Autorką tej rzeźby na krześle jest urodzona w Ameryce Rita McBride, której prace mieszczą się w wielu etykietach, w tym w zakresie wzornictwa przemysłowego, rzeźby, architektury i instalacji. Często koncentruje się na manipulowaniu skalą i „konwencjonalnymi skojarzeniami niektórych materiałów” – pisze Artsy.
Odnajdując kunszt w zwykłym koreańskim artyście Do Ho Suh, tworzy rzeźby z tkaniny, które rekonstruują przedmioty ze swojego domu. Jego naturalnej wielkości repliki różnych urządzeń i armatury z jego mieszkania przy West 22nd Street w Nowym Jorku są wykonane z przezroczystego materiału na cienkiej konstrukcji z drutu.
Wanna, Apartament A.
Kolumbijska artystka Doris Saucedo jest rzeźbiarką, której prace skupiają się na złożonych tematach związanych z wydarzeniami historycznymi obejmującymi masową przemoc, traumę, rasizm i kolonializm. Pracę tę zaprezentowała galeria White Cube.
Proste, a jednocześnie dające do myślenia.
Późnoamerykański artysta Donald Judd stworzył to minimalistyczne dzieło w 1967 roku. Uważany był za najwybitniejszego amerykańskiego artystę powojennego i był dobrze znany ze swoich dużych instalacji plenerowych i projektów długich wnętrz.
Bez tytułu, Niebieski lakier na ocynkowanym żelazie.
Francesca Pasquali to włoska artystka, która obserwuje naturalne formy i „przekłada” je na wyszukane dzieła i instalacje. W swoich kreacjach często wykorzystuje materiały znalezione lub pochodzące z recyklingu, w tym materiały przemysłowe. Znana ze swojej pracy, w której wykorzystuje tysiące plastikowych słomek, Pasquali stworzyła również szereg elementów wykorzystujących neopren.
„Frappe” Franceski Pasquale to neopren na drewnie.
Zbliżenie na złożone kawałki neoprenu.
Isabel De Obaldia ma bogate doświadczenie artystyczne i studiowała w słynnej Szkole Szkła Pilchuck. Córka słynnego panamskiego malarza Guillermo Trujillo, De Obaldia tworzy kultury o formach zwierzęcych. To jest jej Jaguar Throne, który jest bardzo teksturowany.
Jej prace nie są duże, ale robią wrażenie.
Wierzch tronu Jaguara De Obaldii jest wykonany ze szkła, ozdobionego prążkowanym wzorem.
Nowojorski rzeźbiarz Joel Shapiro znany jest ze swoich prac wykorzystujących proste prostokątne kształty. Dzięki jednemu prostemu geometrycznemu kształtowi o stopniowanych rozmiarach i różnych kolorach tworzy oszałamiające, nowoczesne dzieła.
Proste kształty składają się na jego nowoczesne, minimalistyczne rzeźby.
Chromowane kształty, zarówno kolorowe, jak i gładkie, pojawiają się w dziełach Johna Chamberlaina. Jest znany ze swoich dzieł wykonanych ze złomu i wgniecionych, wyrzuconych części samochodowych i odpadów przemysłowych.
TidyFlamingo Chamberlaina.
Prace Kim Jones łączą sztukę performance, rzeźbę i rysunek. Jest znany z chodzenia po ulicach jako „Błotnik”, ubrudzony błotem, noszący nakrycie z patyków, taśmy i sznurka, a jego twarz zakryta jest nylonową pończochą. Ten element to kurtka bojowa. Jones powiedział panu Motleyowi: „Kiedy noszę te konstrukcje jako Mudman, myślę o sobie jak o chodzącej rzeźbie. Koszule i kurtki są kontynuacją tego pomysłu – są to rzeźby, które mogę nosić, ale które mają też rysunki wojenne, więc stają się chodzącą rzeźbą…. Rysunki wojenne są jak prymitywna gra komputerowa… ręcznie rysowana gra komputerowa. Noszenie tych kurtek to jak noszenie myśli na plecach”.
Praca składa się z kurtki, drewna, akrylu i tuszu
Modułowe rzeźby mediolańskiego artysty Lorisa Cecchiniego wykorzystują organizm jako tezę do swoich prac badających „ewolucję sztuki w odniesieniu do nauk”. W dużej części swojej pracy Cecchini składa swoje stalowe elementy tak, aby przypominały rośliny pnące lub struktury kryształowe. Wszystkie wywołują nastrój naukowy, a przy tym są atrakcyjne wizualnie.
Szybkość kiełkowania na czterech biegunach, 2015
Zbliżenie konstrukcji.
Ta fascynująca rzeźba jest dziełem Marka Mandersa, który od 1986 roku pracuje nad ogromną serią dzieł zatytułowanych „Autoportrety jako budynek”. Rzeźby są próbą artysty przedstawienia swojej tożsamości za pomocą obiektów i tekstu.
Każda praca jest prowokacyjna.
Galerie Max Mayer zaprezentowała jedno z niewielu dzieł sztuki cyfrowej — pracę wideo Melanie Gilligan z 2016 r. „Parts-whole”. Gilligan mieszka w Londynie i Nowym Jorku, tworząc dzieła sztuki w formie wideo, performance, tekstu, instalacji i muzyki.
Trójwymiarowy i bardzo awangardowy.
To genialne dzieło przedstawia budynek, który jest w rzeczywistości trójwymiarowy. Dodaje nowy wymiar typowemu dziełu sztuki ściennej.
Dramatu dzieła dodaje monochromatyczna paleta barw.
Widok z boku rzutu projektów budowlanych z płótna.
Japoński Kohei Nawa tworzy te spektakularne stworzenia w swojej serii PixCell. Kiedy już wybierze obiekt, zostaje on zamknięty w warstwie sferycznych komórek. Powstała praca ma unikalną fakturę powierzchni i niezwykłą głębię utworzoną za pomocą kul o różnych rozmiarach. Każda sfera to inne przeżycie wizualne. Nada ukuła termin „PixCell” jako riff określający piksel, z którego powstają obrazy cyfrowe.
Ta praca jest nowoczesna, ale osiąga rustykalny charakter. Jej industrialne wykończenie i różnorodne kształty przyciągają uwagę.
Prezentowane przez Galerię Thomasa Dane'a.
W Thomas Erben Gallery zaprezentowano szereg prac brooklyńskiego artysty Mike’a Clouda. Kolorowe dzieła zaprzeczają znaczeniu dzieł artysty. Prace Cloud przedstawiają relację ze śmiercią, głównie śmiercią przez powieszenie. Obrazy balansują w jednym rogu, częściowo wiszą na ścianie za skórzanym pasem. Sugeruje to ludzi, którzy zginęli przez powieszenie w kilku rodzajach okoliczności.
S of B, 2016. Olej na płótnie i krosnach.
Urodzony w Szwajcarii artysta Ugo Rondinone tworzy wszelkiego rodzaju dzieła sztuki, w tym rzeźby, które przekształcają przedmioty codziennego użytku, „dając im sztuczną trwałość, która zarówno podkreśla, jak i zaprzecza ich nietrwałości” – pisze Artsy.
Akryl na płótnie, tablica z plexi
Powtórzenie wzoru w połączeniu ze zdumiewającą fakturą to uderzające cechy tego dzieła z Galerii Van de Weghe.
Skomplikowana, wieloaspektowa i złożona faktura to najbardziej intrygujący aspekt tego dzieła.
W galerii Victoria Miro zaprezentowano rzeźbę autorstwa brytyjskiego artysty Conrada Shawcrossa. Wszystkie jego „maszynowe” instalacje mają odniesienia naukowe i „są pełne paradoksów, absurdów i fantazji” – twierdzi Artsy. To jest Pękate światło słońca Shawcrossa (Studium I), stworzone w 2016 roku.
Galerie Urs Meile zaprezentowała porywające prace wschodzącego artysty Yang Mushi z Szanghaju w Chinach jako dzieła sztuki w ramach programu Kabinett firmy Art Basel, w ramach którego galerie prezentują na swoich stoiskach starannie dobrane wystawy. Praca Mushi dotyczy globalizacji i ekstremalnego rozwoju miast w Chinach. W swoich pracach wykorzystuje surowce przemysłowe takie jak drewno, pianka, metal i kamień. Ten utwór nazywa się „Ostrzenie – gałąź”.
Wykonany jest z drewna i czarnego lakieru natryskowego.
Zbliżenie na „Ostrzenie – kij”.
Żadne targi sztuki nie są kompletne bez obejrzenia prac japońskiego awangardowego artysty Yayoi Kusamy. Jej kultowe wzory i kolorowe prace zawsze cieszą się dużym zainteresowaniem. Ze względu na jej dzieciństwo dynie odegrały kluczową rolę w twórczości Kusamy. Matsumoto, rodzinne miasto Kusamy, nie zostało dotknięte niedoborami żywności podczas II wojny światowej, a rodzinna hurtownia miała mnóstwo dyń. Przez całe życie była przywiązana do tej formy i jest to zdecydowanie jedna z naszych ulubionych.
Dynia (S), 2016.
Tak wiele spektakularnych dzieł, a za mało czasu, aby je wszystkie zaprezentować! Nasze typy pokazują przekrój innowacyjnych dzieł rzeźbiarskich, które tworzą dzisiejsi artyści. Niezależnie od tego, czy możesz sobie pozwolić na kolekcjonowanie prawdziwych dzieł, wykorzystać je jako inspirację dla gatunków sztuki, które chcesz mieć w swoim domu, czy po prostu chcesz przyjrzeć się zakresowi kreatywności, Art Basel to wizualna i teksturalna uczta.
Jeśli podoba Ci się nasza strona, udostępnij ją swoim znajomym & Facebook
