Z każdym kolejnym rokiem Art Basel Miami powiększa się dzięki swojej popularności i szybko rosnącej liczbie równoległych pokazów sztuki w mieście. W miarę jak wydarzenie to stało się miejscem, w którym liczą się przedstawiciele sztuki, designu i mody, same targi rozrosły się, przyciągając w 2017 r. ponad 82 000 gości. W wystawie wzięło udział 268 galerii z 32 krajów, przez co trudno nam było wybrać kilka dzieł sztuki, które atrakcja. Niemniej jednak, oto wybór fragmentów, które z tego czy innego powodu przykuły naszą uwagę.
Co roku pojawia się co najmniej jedno dzieło na dużą skalę, które urzeka i w tym roku myśleliśmy, że będzie to dzieło Ugo Rondinone. Artysta znany jest z twórczości eklektycznej, często z nawiązaniami i kolorystyką do pop-artu, ale także z dzieł o dużej skali, takich jak ta odlana z brązu rzeźba drzewa.
Urodzona w Szwajcarii artystka pracuje w Nowym Jorku.
Najsłynniejszy chiński artysta może być bardziej znany ze swoich instalacji lub swojej aktywności politycznej i społecznej, ale tworzy też kolorowe dzieła, takie jak ten autoportret wykonany z klocków Lego. Autoportret przypomina 176 portretów, które wykonał na potrzeby programu Trace, skupiając się na osobach, które uważa za więźniów politycznych i więźniów sumienia. Pikselowy wygląd ma nawiązywać do zdjęć z monitoringu.
Artysta spierał się z Lego o „cenzurę”, gdy nie chcieli mu sprzedać zamówienia zbiorczego.
Kolejną kolorową pracą był półabstrakcyjny kolaż z akrylu i tkaniny na drewnie zatytułowany Tlazolteotl rodzący autorstwa Alexandra Tovberga. Mówi się, że artysta łączy swoje marzenia, europejską tradycję i religię, aby stworzyć swoje dzieła. Trudno określić charakter tego dzieła i byłoby to intrygujące dzieło dla domu lub biura.
Tovberg to młoda duńska artystka, urodzona w 1983 roku.
Jeśli Twoja przestrzeń potrzebuje sporej dawki kolorowego neonu, zwróć uwagę na amerykańską artystkę Beverly Fishman. To jest jej Bez tytułu (Problemy trawienne), które składa się z farby uretanowej na drewnie. Jej prace abstrakcyjne to dyskusje o technologii i przemyśle farmaceutycznym. Fishman jest artystką-rezydentką renomowanej Cranbrook Academy of Art, gdzie wykłada od 1992 roku.
Art in America nazwała Fishmana „malarzem o zainteresowaniach rzeźbiarza”.
Będąc połączeniem sztuki i mebli, ta rzeźba urodzonego w Danii Carla Mannova ma prowokować do myślenia i dyskusji. Z serii „Żerowiska” jest to wyrazista rzeźba wykonana z biurka, czasopism i drewna olchowego. Aby rzeźba ta została właściwie doceniona, potrzebuje większej przestrzeni, w której może stanąć solo i być kontemplowana.
Wiele prac, które obejrzeliśmy, miało także charakter wypowiedzi społecznych i politycznych.
Ta puszysta praca została wykonana z ręcznie tuftowanej wełny przez Caroline Achaintre, która wykorzystuje wiele mediów, w tym tekstylia, ceramikę, grafiki i akwarele. Jest to bardzo namacalny element, kolorowy – podobnie jak wiele jej prac – który ożywi i teksturę dużej ściany. Utwory Achaintre'a mają przywoływać ducha karnawału i zostały nazwane „jednocześnie zabawnymi i absurdalnymi”.
Wśród dzieł tego artysty znajdują się wełniane makatki ścienne, rysunki i obrazy.
W książce zacytowano rzeźbiarza Charlesa Harlana, który powiedział, że „głupie przedmioty mogą stać się dziełami sztuki, po prostu przesuwając je gdzieś”. Artysta powinien to wiedzieć, gdyż jego prace skupiają się na przedmiotach codziennego użytku, industrialnych, które nadaje nowy kontekst. Praca ta, zatytułowana Palety, składa się z kamienia, drewna, stali i plastiku. Choć poszczególne obiekty są zwyczajne, razem tworzą intrygującą, choć prowokującą całość.
Galeria Rodolphe Janssen prezentowała rzeźby Harlana.
Nieżyjąca już włoska artystka Dadamaino – której prawdziwe nazwisko brzmiało Eduarda Emilia Maino – stworzyła to dzieło o charakterze społecznym. Jako wypowiedź społeczna jest niestety dziś tak samo aktualna, jak w dniu jej powstania. Wybór ekspozycji tego typu dzieł sztuki to jeden ze sposobów wyrażenia opinii społecznej i być może sprowokowania rozmowy z gośćmi odwiedzającymi Twój dom.
Mediolańska artystka awangardowa była najbardziej znana ze swoich czarno-białych prac.
Ta duża rzeźba ścienna autorstwa Daniela Burena jest graficzna i dramatyczna, typowa dla twórczości artysty. Buren był wielkim artystą w Paryżu lat sześćdziesiątych i rzucił wyzwanie konwencjonalnym poglądom na temat miejsc, w których można oglądać sztukę, pisze Artsy. Przestał malować i zaczął naklejać pionowe pasy na wszelkiego rodzaju konstrukcje w całym mieście. To jego polichromowana płaskorzeźba Daniela Burena, aluminiowa rzeźba, która najlepiej pasowałaby do nowoczesnej i dużej przestrzeni.
Oglądane pod różnymi kątami dzieło zmienia swój wygląd.
Nie mogliśmy nie myśleć o motylach i robakach, które schwytaliśmy i przypięliśmy w dzieciństwie, kiedy zobaczyliśmy te wszystkie przypinki. Kolaże Elliotta Hundleya zawierają setki obrazów wydrukowanych na papierze ryżowym wraz z innymi materiałami. Ta praca zawiera kilka guzików i muszelek. Mówi się, że twórczość Hundleya inspirowana jest sztukami greckimi. Powiesiliśmy to w salonie lub gabinecie, gdzieś, gdzie mogliśmy go cały czas oglądać. Nie możemy sobie wyobrazić męczącego badania dzieła, znajdowania różnych obrazów i elementów, z których każdy ma różnorodne znaczenia.
Kolaże Hundleya są wielowymiarowe.
Ta perspektywa z boku zapewnia dobry widok na wszystkie szpilki użyte w elemencie.
Fausto Melotti był znany ze swoich surrealistycznych rzeźb, takich jak ta o nazwie Contrappunto XI. Nieżyjący już włoski rzeźbiarz pracował ze wszystkimi rodzajami materiałów, w tym metalem, drutem, gipsem, ceramiką i drewnem. To małe dzieło przedstawia nieważkie, małe kształty ułożone tak, aby harmonijnie wisiały. To uspokajająca mała rzeźba, która jest również zabawna dzięki małym metalowym kulkom i drutom.
Niektóre kształty odzwierciedlają zainteresowanie artysty muzyką.
Ta antropomorficzna rzeźba była dużą atrakcją. Boucherouite V Franceski DiMattio to glazurowana porcelana i kamionka, która wygląda jak figura, ale nią nie jest. Jej prace inspirowane są m.in. architekturą renesansową i gotycką, a także wzorami koronek i pikowania. Widzowie okrążają rzeźbę, spodziewając się znaleźć twarz, szukając przodu dzieła, ale jej tam nie ma. Bardzo intrygujące.
Praca ta, zaprezentowana przez Salon 94, nosi tytuł Boucherouite V.
W Art Basel można było spotkać wszelkiego rodzaju neony, jednak ten zaintrygował swoją prostotą. Décrochage n°8 autorstwa François Morelleta składa się z farby akrylowej na płótnie i drewnie. Morellet zajmował się sztuką minimalną i konceptualną, odegrał ważną rolę w rozwoju abstrakcji geometrycznej. Neon był jego ulubionym materiałem. Według Artsy'ego Morellet powiedział: „Naszą pasją były nowoczesne materiały, które nie zostały jeszcze «skażone» tradycyjną sztuką. Szczególnie podobało nam się wszystko, co mogło wywołać ruch lub światło”.
Francuski artysta był ważną postacią w sztuce począwszy od lat sześćdziesiątych.
Wisząca fasetowana kula Haegue Yang zachwyca nie tylko swoim połyskiem i kształtem, ale także niesamowitymi cieniami, które rzuca na ściany. Jest to idealny element do minimalistycznej przestrzeni z wystarczającą ilością gładkiej przestrzeni na ścianie, aby cienie mogły wyrazić swoje zdanie. Podwójne miedziane krawędzie stworzyły na ścianie interesującą geometrię, która powtarza się w każdej ze ścian.
Komu potrzebne dekoracje ścienne, skoro masz takie niesamowite cienie.
Kolejnym wiszącym wisiorkiem, który odkryliśmy, jest praca Jorge Pardo bez tytułu. Rzeźba z aluminium malowanego proszkowo zawiera światła wiszące na zakrzywionym wieszaku z drewna sapele. Być może przyciągnęły nas, ponieważ są to zasadniczo artystyczne oprawy oświetleniowe autorstwa tego kubańskiego amerykańskiego artysty, którego prace łączą sztukę i design. To wspaniałe dzieło sztuki, które może służyć również jako cudowna oprawa oświetleniowa.
Stonowane kolory są stonowane i wyrafinowane.
Jedną z atrakcji Art Basel każdego roku jest Kabinett, dzięki której galerie mogą prezentować indywidualnego artystę na swoich stoiskach w specjalnie wyznaczonej przestrzeni. W galerii Zeno X można było zobaczyć Kima Jonesa i różne jego prace, w tym tę na koszuli. Jones zaczynał jako performer z alter ego Mudmana, wędrowca przypominającego szamana. Oblewał się błotem i innymi organicznymi substancjami i pojawiał się w różnych miejscach publicznych Los Angeles. W Nowym Jorku od lat 80. Jones skupia się na tematyce związanej z wojną.
Używanie nieoczekiwanego przedmiotu jako płótna jest zawsze interesujące.
Skomplikowane szczegóły rysunku są zdumiewające.
Jeśli masz ochotę na coś krzykliwego i kolorowego, wypróbuj Le Parapluie Jaune firmy Maryam Haddad. Obraz olejny jest w rzeczywistości tryptykiem i ma niemal abstrakcyjny charakter impresjonistyczny. Wystarczy rozpoznać młodą kobietę i tytułową żółtą parasolkę. To radosny element, który rozjaśni każdą przestrzeń.
Przypomina to trochę obraz piknikowy Renoira.
Może to loki, a może drewno, ale uwielbiamy te elementy ścienne autorstwa norweskiego artysty Matiasa Faldbakkena. „Wykorzystuje „tradycyjne akty wandalizmu i jego materiały”, aby wygenerować formy estetyczne, mówi Artsy. Najbardziej znany jest ze swojej pracy z czarną taśmą będącej ukłonem w stronę kultury graffiti, ale także z serii worków na śmieci, w których znajdują się rysunki wykonane czarnym markerem na ciemnych plastikowych workach na śmieci. Te elementy ścienne wydają się mniej chaotyczne i mają bardziej uspokajającą estetykę.
Faldbakken stworzył wiele trójwymiarowych instalacji ściennych.
To niesamowite, że w Art Basel można znaleźć dzieła Picassa obok dzieł współczesnych. Właściwie to jedna z radości. Musimy podziwiać i podkreślać tę pracę i choć nigdy nie byłoby nas stać na Picassa, warto kontemplować dzieło i marzyć o umieszczeniu go na ścianie naszego salonu.
Cóż więcej można powiedzieć o takich arcydziełach, czego jeszcze nie powiedziano.
Ulubione są dzieła mieszane, a takie zestawy są szczególnie interesujące. Brazylijczyk Rodrigo Bueno jest najbardziej znany ze swoich mebli ozdobionych naturalnymi materiałami. Tutaj jednak w ten sam sposób przekształcił obraz. Obraz zatytułowany Maria Quechua Kaiapó jest doskonałym przykładem wykorzystania przez niego odpadów miejskich do tworzenia swojej sztuki i innowacyjnego wykorzystania materiałów w ekspresji. Ponownie jest to utwór sugestywny i pełen znaczeń.
Studio Bueno nazywa się Mata Adentro, co oznacza „Wnętrze dżungli”.
Monochromatyczne, ale bogate w faktury, światło i cienie, dzieło to jest dziełem Rosemarie Trockel, niemieckiej artystki surrealistycznej. Jest znana z kontrowersyjnych prac poruszających tematy takie jak seksualność i kultura, takich jak wykonane maszynowo kominiarki z symbolami sportowymi. Ten utwór jest dramatyczny i dominujący, nawet przy skromnych rozmiarach.
Zainstalowanie tego na ścianie w ciemnym kolorze zwiększyłoby współczynnik dramatyzmu.
Obreros ma duże znaczenie społeczne i artystyczne.
Z daleka wyglądało to jak uciekające stworzenie lub kobieta rozwijająca pelerynę, jednak bliższe przyjrzenie się ujawnia, że pominięto coś zupełnie innego: pomysłową konstrukcję stworzoną z papierowych kapeluszy używanych w komercyjnych kuchniach. Stworzone przez meksykańską artystkę Tanię Candiani Obreros to duże i dominujące dzieło, które stanowi pewien punkt centralny. Na stronie internetowej Candiani zauważono, że interesuje ją skrzyżowanie systemów językowych, dźwięków i logiki technologii, ale z „pewną nostalgią za tym, co przestarzałe”. Utwór jest także mocnym komunikatem społecznym, ponieważ wykorzystuje papierowe kapelusze amerykańskiej firmy znanej z zatrudniania nielegalnych imigrantów i złego ich traktowania.
Przyjrzyjmy się bliżej papierowym kapslom zastosowanym w pracy Candiani.
Kolejna praca Ugo Rondinone zwróciła naszą uwagę płynnymi liniami i sposobem, w jaki wywołuje ruch, podobnie jak niektórzy włoscy mistrzowie rzeźbiący w marmurze. Tors kobiety wzmaga wrażenie wirującego wiru, gdy kobieta wznosi się spiralnie, do połowy pochłonięta przez spiralę. W przeciwieństwie do ogromnego drzewa, które zamieściliśmy wcześniej, ten element zmieści się w większości domów!
Szwajcarski artysta reprezentował swój kraj na 52. Biennale w Wenecji.
Yayoi Kusama, najbardziej znana ze swoich kropkowanych dyń, a obecnie bardzo chętnie umieszczanych na Instagramie Infinity Rooms, stworzyła także wiele mniejszych prac, takich jak ta. Utwór zatytułowany Shooting Star in Summer powstał w 1988 roku z akrylu, włókna syntetycznego i plastiku. Materiały znajdują się w malowanym drewnianym pudełku. Użycie jasnej czerwieni jako dominującego koloru w gwiezdnej scenerii jest nieoczekiwane i charakterystyczne dla prac Kusamy.
Awangardowy styl Kusamy cieszy się kolejnym wzrostem popularności.
Urodzona w Nigerii Yinka Shonebare, ozdobiona nadrukiem nawiązującym do tekstyliów z nadrukiem batikowym, podejmuje opowieść o historii politycznej i społecznej związanej z postkolonializmem i globalizacją. Artsy zauważa, że Shonebare, członek Najwspanialszego Zakonu Imperium Brytyjskiego, wykorzystuje kultowe obrazy, ale z zabawnym akcentem. Kolorowe rzeźby wyrażają wiele opinii i będą zdecydowanym początkiem rozmowy.
Shonebare znany jest ze swoich postaci ubranych we wzory batikowe.
Tak dużo sztuki, a tak mało czasu. Tak co roku postrzegamy Art Basel. Kreatywność i wyobraźnia skupiona w jednym miejscu może być przytłaczająca, ale jedno jest pewne: na tych niesamowitych targach sztuki każdy znajdzie coś dla siebie.
Jeśli podoba Ci się nasza strona, udostępnij ją swoim znajomym & Facebook
