A cada ano sucessivo, a Art Basel Miami cresce em tamanho graças à sua popularidade e ao rápido crescimento do número de exposições de arte simultâneas na cidade. À medida que o evento se tornou um quem é quem na arte, design e moda, a própria feira cresceu, atraindo mais de 82.000 visitantes em 2017. A mostra contou com 268 galerias de 32 países, tornando difícil para nós escolher um punhado de obras de arte para destaque. No entanto, aqui está uma seleção de peças que nos chamaram a atenção por um motivo ou outro.
Todos os anos há pelo menos uma peça de grande porte que cativa e este ano pensámos que era esta de Ugo Rondinone. O artista é conhecido por trabalhos ecléticos, muitas vezes com referências e cores da pop art, mas também por trabalhos em grande escala como esta escultura de árvore em bronze fundido.
O artista nascido na Suíça trabalha em Nova York.
O artista mais famoso da China pode ser mais conhecido pelas suas instalações – ou pelo seu ativismo político e social – mas também cria peças coloridas como este autorretrato feito em Legos. O autorretrato é semelhante aos 176 retratos que fez para sua mostra Trace, focando em pessoas que considera presos políticos e prisioneiros de consciência. A aparência pixelizada pretende evocar fotos de vigilância.
O artista lutou com a Lego por causa da “censura” quando eles não lhe venderam um pedido em grandes quantidades.
Outra peça colorida foi a colagem semi-abstrata de acrílico e tecido sobre madeira chamada Tlazolteotl dando à luz, de Alexander Tovberg. Diz-se que o artista funde os seus sonhos, a tradição europeia e a religião para criar as suas peças. A sensação da peça é difícil de definir e seria um trabalho intrigante para uma casa ou escritório.
Tovberg é um jovem artista dinamarquês, nascido em 1983.
Quando o seu espaço precisar de uma boa dose de néon colorido, procure a artista americana Beverly Fishman. Este é o seu Untitled (Digestive Problems), que é composto por tinta uretânica sobre madeira. Seus trabalhos abstratos são discussões sobre tecnologia e indústria farmacêutica. Fishman é artista residente na renomada Cranbrook Academy of Art, onde leciona desde 1992.
Art in America chamou Fishman de “pintor com as preocupações de um escultor”.
Numa fusão de arte e mobiliário, esta escultura do dinamarquês Carl Mannov pretende provocar reflexão e discussão. De uma série chamada “Feeding Grounds”, é uma escultura marcante feita a partir de uma mesa, revistas e madeira de amieiro. Para ser devidamente apreciada, esta escultura necessita de um espaço maior onde possa ficar sozinha e ser contemplada.
Muitas obras que vimos também eram declarações sociais e políticas.
Este trabalho fofo é feito de lã tufada à mão por Caroline Achaintre, que trabalha em diversas mídias, incluindo têxteis, cerâmica, estampas e aquarelas. É uma peça muito tátil e colorida – como muitas de suas obras – que daria vida e textura a uma grande parede. As peças de Achaintre pretendem evocar o espírito do Carnaval e têm sido chamadas de “simultaneamente lúdicas e absurdas”.
As peças deste artista incluem tapeçarias de lã, desenhos e pinturas.
O escultor Charles Harlan foi citado em um livro como tendo dito que “objetos estúpidos podem se tornar obras de arte simplesmente sendo movidos para algum lugar”. O artista deve saber, já que seu trabalho se concentra em objetos industriais do cotidiano que ele ressignifica em um novo contexto. Esta obra, denominada Pallets, é composta por pedra, madeira, aço e plástico. Embora esses objetos individualmente sejam mundanos, juntos eles formam um conjunto intrigante e instigante.
A Galeria Rodolphe Janssen apresentou as esculturas de Harlan.
A falecida artista italiana Dadamaino – cujo nome verdadeiro era Eduarda Emilia Maino – criou esta obra de carga social. Como declaração social, infelizmente é tão relevante hoje como era no dia em que foi criada. Optar por expor esse tipo de obra é uma forma de expressar uma opinião social e quem sabe provocar conversas com os convidados que visitam sua casa.
A artista de vanguarda milanesa era mais conhecida por seus trabalhos em preto e branco.
Esta grande escultura de parede de Daniel Buren é gráfica e dramática, típica das obras do artista. Buren era grande em Paris nos anos 60 e desafiou as noções convencionais de onde a arte pode ser vista, escreve Artsy. Ele parou de sofrer e começou a colar listras verticais em todos os tipos de estruturas pela cidade. Este é o seu Alto Relevo Policromado Daniel Buren, uma escultura de alumínio que se encaixaria perfeitamente em um espaço moderno – e de tamanho considerável.
Vista de diferentes ângulos, a obra muda de aparência.
Não pudemos deixar de pensar nas borboletas e insetos que capturamos e prendemos quando éramos crianças quando vimos todos esses alfinetes. As colagens de Elliott Hundley contêm centenas de imagens impressas em papel de arroz junto com outros materiais. Este trabalho inclui alguns botões e conchas. Diz-se que o trabalho de Hundley foi inspirado em peças gregas. Penduraríamos isso na sala de estar ou no escritório, em algum lugar onde pudéssemos vê-lo o tempo todo. Não podemos imaginar que nunca nos cansamos de examinar a peça, encontrando diferentes imagens e elementos, cada um com uma variedade de significados.
As colagens de Hundley são multidimensionais.
Esta perspectiva lateral proporciona uma boa visão de todos os pinos utilizados na peça.
Fausto Melotti was known for his Surrealist sculptures, like this one called Contrappunto XI. The late Italian sculptor worked with all kinds of materials including metal, wire, plaster, ceramics and wood. The small work features weightless little shapes arranged to hang in harmony. It’s a calming little sculpture that is also playful with its little metal balls and swoops of wire.
Algumas das formas refletem o interesse do artista pela música.
Esta escultura antropomórfica foi um grande atrativo. O Boucherouite V de Francesca DiMattio é uma peça de porcelana esmaltada e grés que parece uma figura, mas na verdade não é. Suas obras são inspiradas na arquitetura renascentista e gótica, bem como em padrões de rendas e colchas, entre outras coisas. O espectador fica circulando pela escultura, esperando encontrar o rosto, procurando a frente da peça, mas ela não está lá. Muito intrigante.
Este trabalho, apresentado pelo Salon 94, é intitulado Boucherouite V.
Todos os tipos de arte neon podiam ser encontrados na Art Basel, mas esta era intrigante por sua simplicidade. Décrochage n°8 de François Morellet é composto por tinta acrílica sobre tela sobre madeira. Morellet trabalhou na arte minimalista e conceitual, foi importante no desenvolvimento da arte abstrata geométrica. Neon foi seu material preferido. Segundo Artsy, Morellet disse que “Éramos apaixonados por materiais modernos que ainda não haviam sido 'poluídos' pela arte tradicional. Gostamos particularmente de qualquer coisa que pudesse produzir movimento ou luz.”
O artista francês foi uma figura importante na arte a partir dos anos sessenta.
A bola facetada suspensa de Haegue Yang é impressionante não apenas por seu brilho e formato, mas também pelas incríveis sombras que projeta nas paredes. Esta é a peça perfeita para um espaço minimalista com espaço de parede simples suficiente para permitir que as sombras se destaquem. As bordas duplas de cobre criaram interessantes geometrias na parede que se repetem dentro de cada uma das facetas.
Quem precisa de arte na parede quando você tem sombras incríveis como essas?
Outro pingente pendurado que descobrimos é esta obra sem título de Jorge Pardo. A escultura em alumínio com pintura eletrostática a pó inclui luzes penduradas em um cabide curvilíneo de madeira sapele. Talvez nos tenhamos atraído por eles porque são essencialmente luminárias artísticas deste artista cubano-americano, cujas obras fundem arte e design. É uma obra de arte impressionante que também funciona como uma luminária maravilhosa.
As cores suaves são discretas e sofisticadas.
Uma das atrações da Art Basel a cada ano é o Kabinett, que permite que as galerias apresentem um artista individual em seus estandes em um espaço especialmente delineado. A Galeria Zeno X apresentou Kim Jones e uma variedade de seus trabalhos, incluindo esta peça baseada em camisa. Jones começou como artista performático com o alter ego de Mudman, um itinerante parecido com um xamã. Ele se cobriu de lama e outras coisas orgânicas e apareceu em diversos locais públicos de Los Angeles. Em Nova York desde a década de 1980, Jones concentra-se em temas relacionados à guerra.
Usar um item inesperado como tela é sempre interessante.
Os detalhes intrincados do desenho são surpreendentes.
Se você quiser algo chamativo e colorido, experimente Le Parapluie Jaune de Maryam Haddad. A pintura a óleo é na verdade um tríptico e tem um sentimento impressionista quase abstrato. Você consegue distinguir a jovem e o guarda-chuva amarelo do título. É uma peça alegre que iluminaria qualquer espaço.
Isso nos lembra a pintura do piquenique de Renoir.
Talvez seja o cacho, ou talvez seja a madeira, mas adoramos essas peças de parede das artes norueguesas Matias Faldbakken. Ele usa “atos tradicionais de vandalismo e seus materiais” para gerar formas estéticas, diz Artsy. Ele pode ser mais conhecido por seu trabalho com fita preta em uma homenagem à cultura do graffiti, mas também por uma série com sacos de lixo que apresentam desenhos em marcador preto em sacos de lixo plásticos escuros. Estas peças de parede parecem menos caóticas e têm uma estética mais calmante.
Faldbakken criou muitas instalações tridimensionais de parede.
É incrível que você possa encontrar obras de Picasso junto com peças contemporâneas na Art Basel. Na verdade, essa é uma das alegrias. Temos que admirar e destacar esta obra e embora nunca possamos comprar um Picasso, é bom contemplar a peça e sonhar em colocá-la na parede da nossa sala.
O que mais você pode dizer sobre essas obras-primas que ainda não tenha sido dito?
Peças de mídia mista são as favoritas e montagens como essa são particularmente interessantes. O brasileiro Rodrigo Bueno é mais conhecido por seus móveis enfeitados com materiais naturais. Aqui, porém, ele transformou uma pintura da mesma maneira. Intitulado Maria Quechua Kaiapó, é um grande exemplo do uso de resíduos urbanos para a criação de sua arte e do uso inovador de materiais de expressão. Novamente, é uma peça evocativa e repleta de significado.
O estúdio de Bueno se chama Mata Adentro, que significa “Selva Interior”.
Monocromática mas rica em textura, luz e sombras, esta obra é de Rosemarie Trockel, uma artista surrealista alemã. Ela é conhecida por peças polêmicas que abordam temas como sexualidade e cultura, como seus símbolos esportivos de balaclavas feitas à máquina. Esta peça é dramática e dominante, mesmo com o seu tamanho modesto.
Instalar isso em uma parede de cor escura aumentaria o fator dramático.
Obreros faz uma grande declaração social e artística.
À distância, parecia uma criatura voando ou uma mulher desenrolando sua capa, porém uma inspeção mais detalhada revela uma omissão muito diferente: uma construção artística criada a partir de chapéus de papel usados em cozinhas comerciais. Criado pela artista mexicana Tania Candiani, Obreros, é uma obra grande e dominante que é um certo ponto focal. O site de Candiani observa que ela está interessada na intersecção de sistemas de linguagem, som e lógicas da tecnologia, mas com “alguma nostalgia pelo obsoleto”. A peça também é uma forte declaração social porque usa chapéus de papel de uma empresa americana conhecida por contratar imigrantes ilegais e tratá-los mal.
Um olhar mais atento às tampas de papel utilizadas na peça de Candiani.
Outra obra de Ugo Rondinone chamou a atenção pelas linhas fluidas e pela forma como evoca o movimento, à semelhança do que fazem alguns dos mestres italianos que esculpiram o mármore. O torso da mulher aumenta a sensação de um turbilhão, à medida que ela espirala para cima, meio consumida pela espiral. Ao contrário da enorme árvore que incluímos anteriormente, esta peça caberia na maioria das casas!
O artista suíço representou o seu país natal na 52ª Bienal de Veneza.
Mais conhecida por suas abóboras malucas e agora por seus Infinity Rooms altamente Instagramados, Yayoi Kusama também criou um grande volume de obras menores, como esta. Chamada de Shooting Star in Summer, a peça foi criada em 1988 em acrílico, fibra sintética e plástico. Os materiais são compostos numa caixa de madeira pintada. Usar o vermelho brilhante como cor dominante para um cenário estelar é inesperado e característico das peças de Kusama.
O estilo vanguardista de Kusama está vendo outro aumento na popularidade.
Adornada com uma estampa que lembra tecidos estampados em batik, Yinka Shonebare, nascida na Nigéria, aborda a história política e social ligada ao pós-colonialismo e à globalização. Artsy observa que Shonebare, que é membro da Mais Excelente Ordem do Império Britânico, usa imagens icônicas, mas com um toque lúdico. As esculturas coloridas fazem múltiplas declarações e serão definitivamente um ponto de partida para uma conversa.
Shonebare é conhecido por suas figuras vestidas com padrões de batik.
Tanta arte, tão pouco tempo. É assim que nos sentimos em relação à Art Basel todos os anos. A criatividade e a imaginação concentradas num só local podem ser avassaladoras, mas uma coisa é certa: há algo para todos nesta incrível feira de arte.
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