Me çdo vit të njëpasnjëshëm, Art Basel Miami rritet në madhësi falë popullaritetit të tij dhe rritjes së shpejtë të numrit të shfaqjeve të njëkohshme të artit në qytet. Duke qenë se ngjarja është bërë një personazh i artit, dizajnit dhe modës, vetë panairi është rritur, duke tërhequr më shumë se 82,000 vizitorë në 2017. Shfaqja paraqiti 268 galeri nga 32 vende, duke e bërë të vështirë për ne të zgjedhim një pjesë të vogël të veprave të artit për nxjerr në pah. Sidoqoftë, këtu është një përzgjedhje e pjesëve që na tërhoqën vëmendjen për një arsye ose një tjetër.
Çdo vit, ka të paktën një pjesë në shkallë të gjerë që magjeps dhe këtë vit, menduam se ishte kjo nga Ugo Rondinone. Artisti është i njohur për punën eklektike, shpesh me referenca dhe ngjyra të artit pop, por edhe për veprat në shkallë të gjerë si kjo skulpturë e derdhur prej bronzi.
Artisti me origjinë zvicerane punon në Nju Jork.
Artisti më i famshëm i Kinës mund të jetë më i njohur për instalacionet e tij – ose aktivizmin e tij politik dhe social – por ai gjithashtu krijon pjesë shumëngjyrëshe si ky autoportret i bërë në Lego. Autoportreti është i ngjashëm me 176 portretet që ai bëri për shfaqjen e tij të quajtur Gjurmë, duke u fokusuar tek njerëzit që ai i konsideron të burgosur politikë dhe të burgosur të ndërgjegjes. Pamja e pikseluar ka për qëllim të evokojë fotot e vëzhgimit.
Artisti luftoi me Lego për "censurën" kur ata nuk do t'i shisnin atij një porosi me shumicë.
Një tjetër pjesë shumëngjyrëshe ishte kolazh gjysëm abstrakt akrilik dhe pëlhurë mbi dru i quajtur Tlazolteotl që lind nga Alexander Tovberg. Artisti thuhet se bashkon ëndrrat e tij, traditën evropiane dhe fenë për të krijuar veprat e tij. Ndjenja e pjesës është e vështirë të përcaktohet dhe do të ishte një punë intriguese për një shtëpi ose zyrë.
Tovberg është një artist i ri danez, i lindur në 1983.
Kur hapësira juaj ka nevojë për një dozë të mirë neoni shumëngjyrësh, shikoni artistin amerikan Beverly Fishman. Ky është Untitled i saj (Problemet e tretjes), i cili është i përbërë nga bojë uretani në dru. Punimet e saj abstrakte janë diskutime të teknologjisë dhe industrisë farmaceutike. Fishman është një artiste në rezidencë në Akademinë e njohur të Artit Cranbrook, ku ajo ka dhënë mësim që nga viti 1992.
Arti në Amerikë e quajti Fishman një "piktor me shqetësimet e një skulptori".
Në një ndërthurje të artit dhe mobiljeve, kjo skulpturë nga Carl Mannov me origjinë daneze ka për qëllim të provokojë mendime dhe diskutime. Nga një seri e quajtur "Feeding Grounds" është një skulpturë e shkruar e krijuar nga një tavolinë, revista dhe dru verri. Për t'u vlerësuar siç duhet, kjo skulpturë ka nevojë për një hapësirë më të madhe ku mund të qëndrojë e vetme dhe të mendohet.
Shumë vepra që pamë ishin edhe deklarata shoqërore dhe politike.
Kjo vepër me gëzof është bërë nga leshi me tufa me dorë nga Caroline Achaintre, e cila punon në një sërë mediumesh, duke përfshirë tekstile, qeramikë, printime dhe bojëra uji. Është një pjesë shumë e prekshme dhe shumëngjyrëshe – siç janë shumë prej veprave të saj – që do t'i sillte jetë dhe cilësi një muri të madh me tipare. Pjesët e Achaintre kanë për qëllim të ngjallin frymën e karnavalit dhe janë quajtur "njëkohësisht lozonjare dhe absurde".
Pjesët e këtij artisti përfshijnë perde leshi, vizatime dhe piktura.
Skulptori Charles Harlan u citua në një libër të thoshte se "objektet memece mund të bëhen vepra arti thjesht duke i lëvizur ato diku". Artisti duhet të dijë, pasi puna e tij fokusohet në objekte të përditshme industriale që ai i riformulon në një kontekst të ri. Kjo vepër e quajtur Paleta është e përbërë nga guri, druri, çeliku dhe plastika. Ndërsa këto objekte individualisht janë të zakonshme, së bashku ato formojnë një grumbullim intrigues, megjithëse provokues.
Galeria Rodolphe janssen prezantoi skulpturat e Harlanit.
Artisti i ndjerë italian Dadamaino — emri i vërtetë i të cilit ishte Eduarda Emilia Maino — krijoi këtë vepër të ngarkuar sociale. Si një deklaratë sociale, fatkeqësisht është po aq e rëndësishme sot sa ishte në ditën kur u krijua. Zgjedhja për të shfaqur këtë lloj vepre arti është një mënyrë për të shprehur një opinion shoqëror dhe ndoshta për të provokuar bisedë me të ftuarit që vizitojnë shtëpinë tuaj.
Artistja e avantgardës milaneze ishte më e njohur për veprat e saj bardh e zi.
Kjo skulpturë e madhe murale nga Daniel Buren është grafike dhe dramatike, tipike për veprat e artistit. Buren ishte i madh në Paris në vitet gjashtëdhjetë dhe sfidoi nocionet konvencionale se ku mund të shihet arti, shkruan Artsy. Ai pushoi së dhimburi dhe filloi të ngjitte vija vertikale në të gjitha llojet e strukturave në të gjithë qytetin. Ky është Daniel Buren Polychrome High Relief i tij, një skulpturë alumini që do të ishte më e përshtatshme në një hapësirë moderne – dhe të konsiderueshme.
E parë nga këndvështrime të ndryshme, vepra ndryshon pamjen e saj.
Nuk mund të mos mendonim për fluturat dhe insektet që kapëm dhe fiksuam kur ishim fëmijë kur pamë të gjitha këto kunja. Kolazhet e Elliott Hundley përmbajnë qindra imazhe të shtypura në letër orizi së bashku me materiale të tjera. Kjo punë përfshin disa butona dhe guaska deti. Puna e Hundley thuhet se është frymëzuar nga dramat greke. Ne do ta varnim këtë në një dhomë ndenjeje ose studim, diku ku mund ta shihnim gjatë gjithë kohës. Ne nuk mund të imagjinojmë ndonjëherë të lodhshëm duke shqyrtuar pjesën, duke gjetur imazhe dhe elementë të ndryshëm, secila me një shumëllojshmëri kuptimesh.
Kolazhet e Hundley janë shumëdimensionale.
Kjo perspektivë anësore ofron një pamje të mirë të të gjitha kunjave të përdorura në copë.
Fausto Melotti ishte i njohur për skulpturat e tij surrealiste, si kjo e quajtur Contrappunto XI. Skulptori i ndjerë italian ka punuar me të gjitha llojet e materialeve duke përfshirë metalin, telin, gipsin, qeramikën dhe drurin. Puna e vogël përmban forma të vogla pa peshë të rregulluara për t'u varur në harmoni. Është një skulpturë e vogël qetësuese, e cila është gjithashtu lozonjare me topat e saj të vegjël metalikë dhe tela.
Disa nga format pasqyrojnë interesin e artistit për muzikën.
Kjo skulpturë antropomorfe ishte një tërheqje e madhe. Boucherouite V e Francesca DiMattio, është një pjesë prej porcelani dhe guri me xham që duken si një figurë, por në të vërtetë nuk janë. Veprat e saj janë të informuara nga arkitektura e Rilindjes dhe Gotike, si dhe nga modelet e dantellave dhe jorganit, ndër të tjera. Shikuesit vazhdojnë të rrotullohen rreth skulpturës, duke pritur të gjejnë fytyrën, duke kërkuar pjesën e përparme të pjesës, por ajo nuk është aty. Shumë intriguese.
Kjo vepër, e prezantuar nga Salon 94, titullohet Boucherouite V.
Të gjitha llojet e artit neoni mund të gjenden në Art Basel, por ky ishte intrigues në thjeshtësinë e tij. Décrochage n°8 nga François Morellet është i përbërë nga bojë akrilike në kanavacë mbi dru. Morellet punoi në artin minimal dhe konceptual, ishte i rëndësishëm në zhvillimin e artit abstrakt gjeometrik. Neoni ishte materiali i tij i zgjedhur. Sipas Artsy, Morellet tha se “Ne ishim të apasionuar pas materialeve moderne që ende nuk ishin ‘ndotur’ nga arti tradicional. Neve na pëlqente veçanërisht çdo gjë që mund të prodhonte lëvizje ose dritë.”
Artisti francez ishte një figurë e rëndësishme në art duke filluar nga vitet gjashtëdhjetë.
Topi i varur me fytyrë i Haegue Yang është mahnitës jo vetëm për shkëlqimin dhe formën e tij, por edhe për hijet e mahnitshme që hedh në mure. Kjo është pjesa e përsosur për një hapësirë minimaliste me hapësirë të mjaftueshme muri të thjeshtë për t'i lënë hijet të bëjnë një deklaratë. Skajet e dyfishta prej bakri krijuan gjeometrike interesante në mur që përsëriten brenda secilit prej faqeve.
Kush ka nevojë për artin e murit kur keni hije të mahnitshme si këto.
Një tjetër varëse e varur që zbuluam është kjo vepër pa titull nga Jorge Pardo. Skulptura prej alumini të veshur me pluhur, përfshin drita të varura nga një varëse druri sapele me lakim. Ndoshta na tërhoqën ata sepse janë në thelb pajisje ndriçimi artistike nga ky artist kubano-amerikan, veprat e të cilit bashkojnë artin dhe dizajnin. Është një vepër arti mahnitëse që dyfishohet si një ndriçues i mrekullueshëm.
Ngjyrat e heshtura janë të buta dhe të sofistikuara.
Një nga veçoritë e Art Basel çdo vit është Kabinett, i cili lejon galeritë të shfaqin një artist individual brenda stendave të tyre në një hapësirë të përcaktuar posaçërisht. Galeria Zeno X paraqiti Kim Jones dhe një shumëllojshmëri të veprave të tij, duke përfshirë këtë pjesë të bazuar në këmishë. Jones filloi si një artist performance me alter egon e Mudman, një shëtitës si shaman. Ai u mbulua me baltë dhe gjëra të tjera organike dhe u shfaq në vende të ndryshme publike në Los Angeles. Në Nju Jork që nga vitet 1980, Jones fokusohet në tema që lidhen me luftën.
Përdorimi i një artikulli të papritur si kanavacë është gjithmonë interesant.
Detajet e ndërlikuara të vizatimit janë mahnitëse.
Nëse doni të shkoni për diçka të spërkatur dhe plot ngjyra, provoni Le Parapluie Jaune të Maryam Haddad. Piktura në vaj është në fakt një triptik, dhe ka një ndjenjë pothuajse abstrakte impresioniste. Mund të dallosh vetëm gruan e re dhe ombrellën e verdhë të titullit. Është një pjesë e lumtur që do të ndriçonte çdo hapësirë.
Kjo lloj na kujton pikturën e piknikut të Renoir-it.
Ndoshta është kaçurrela, ose ndoshta është druri, por ne i duam këto pjesë muri nga arti norvegjez Matias Faldbakken. Ai përdor "aktet tradicionale të vandalizmit dhe materialet e tij" për të gjeneruar forma estetike, thotë Artsy. Ai mund të njihet më së shumti për punën e tij me shirit të zi në një shenjë të kulturës së grafitit, por edhe për një seri me qese plehrash me vizatime me shënues të zi mbi qeset plastike të errëta të plehrave. Këto pjesë muri duken më pak kaotike dhe kanë një estetikë më qetësuese.
Faldbakken ka krijuar shumë instalime muri tredimensionale.
Është e mahnitshme që mund të gjesh vepra nga Picasso së bashku me pjesët bashkëkohore në Art Basel. Në fakt, ky është një nga gëzimet. Ne duhet ta admirojmë dhe nxjerrim në pah këtë vepër dhe ndërsa nuk mund ta përballonim kurrë një Picasso, është mirë të mendojmë për këtë pjesë dhe të ëndërrojmë ta vendosim në murin e dhomës së ndenjes.
Çfarë mund të thoni më shumë për kryevepra të tilla që nuk është thënë tashmë.
Pjesët e mediave të përziera janë të preferuara, dhe asambletë si kjo janë veçanërisht interesante. Braziliani Rodrigo Bueno është më i njohur për orenditë e tij të zbukuruara me materiale natyrore. Këtu, megjithatë, ai ka transformuar një pikturë në të njëjtën mënyrë. E titulluar Maria Quechua Kaiapó, është një shembull i shkëlqyer i përdorimit të mbetjeve urbane për krijimin e artit të tij dhe përdorimit inovativ të materialeve në shprehje. Përsëri, është një pjesë ndjellëse dhe plot kuptim.
Studioja e Buenos quhet Mata Adentro, që do të thotë "Xhungla brenda".
Njëngjyrëshe por e pasur me teksturë, dritë dhe hije, kjo vepër është e Rosemarie Trockel, një artiste surrealiste gjermane. Ajo është e njohur për pjesët e diskutueshme që marrin tema si seksualiteti dhe kultura, të tilla si simbolet sportive të ballukeve të saj të bëra me makinë. Kjo pjesë është dramatike dhe dominuese, edhe me përmasat e saj modeste.
Instalimi i kësaj në një mur me ngjyrë të errët do të rriste faktorin e dramës.
Obreros bën një deklaratë të madhe shoqërore dhe artistike.
Nga një distancë, kjo dukej si një krijesë që fluturonte ose si një grua që shpalos pelerinën e saj, megjithatë një inspektim më i afërt zbulon se nuk ka shumë të ndryshme: Një konstruksion mjeshtëror i krijuar nga kapele letre të përdorura në kuzhinat komerciale. Krijuar nga artistja meksikane Tania Candiani, Obreros, është një vepër e madhe dhe dominuese që është një pikë qendrore e caktuar. Faqja e internetit e Candianit vë në dukje se ajo është e interesuar në kryqëzimin e sistemeve gjuhësore, zërit dhe logjikave të teknologjisë, por me "njëfarë nostalgjie për të vjetëruarit". Pjesa është gjithashtu një deklaratë e fortë sociale sepse përdor kapele letre nga një kompani amerikane e njohur për punësimin e emigrantëve të paligjshëm dhe trajtimin e tyre të dobët.
Një vështrim më i afërt në kapakët e letrës të përdorura në pjesën e Candianit.
Një vepër tjetër e Ugo Rondinone na tërhoqi vëmendjen për linjat e saj rrjedhëse dhe mënyrën se si ngjall lëvizje, ashtu si disa nga mjeshtrit italianë që gdhendën në mermer. Trupi i gruas rrit ndjenjën e një rrotullimi të rrotulluar, teksa ajo ngjitet lart, gjysmë e konsumuar nga spiralja. Ndryshe nga pema masive që kemi përfshirë më parë, kjo pjesë mund të përshtatet në shumicën e shtëpive!
Artisti zviceran përfaqësoi vendin e tij në Bienalen e 52-të të Venecias.
E njohur më së shumti për kungujt e saj me pika dhe tani dhomat e saj infinity shumë të instagramuara, Yayoi Kusama ka krijuar gjithashtu një vëllim të madh veprash më të vogla, si kjo. E quajtur Shooting Star in Summer, pjesa u krijua në 1988 nga akriliku, fibra sintetike dhe plastika. Materialet janë të përbëra në një kuti druri të lyer. Përdorimi i ngjyrës së kuqe të ndezur si ngjyra dominuese për një mjedis yjor është e papritur dhe karakteristike për pjesët e Kusamës.
Stili avangardë i Kusamës po sheh një rritje tjetër të popullaritetit.
E stolisur me një print që kujton tekstilet me printim batik, Yinka Shonebare me origjinë nigeriane merr përsipër historinë politike dhe sociale të lidhur me postkolonializmin dhe globalizimin. Artsy vëren se Shonebare, e cila është anëtare e Urdhrit më të shkëlqyer të Perandorisë Britanike, përdor imazhe ikonike, por me një prekje lozonjare. Skulpturat shumëngjyrëshe bëjnë deklarata të shumta dhe do të jenë një fillim i caktuar bisede.
Shonebare njihet për figurat e tij të veshura me modele batik.
Kaq shumë art, aq pak kohë. Është mënyra se si ndihemi për Art Basel çdo vit. Kreativiteti dhe imagjinata e përqendruar në një vend mund të jetë dërrmuese, por një gjë është e sigurt: Ka diçka për të gjithë në këtë panair të mahnitshëm arti.
Nëse ju pëlqen faqja jonë, ju lutemi shpërndajeni me miqtë tuaj & Facebook