För varje år i rad växer Art Basel Miami i storlek tack vare dess popularitet och det snabbt växande antalet samtidiga konstutställningar i staden. I takt med att evenemanget har blivit en vem är vem av konst, design och mode har själva mässan växt och lockade mer än 82 000 besökare under 2017. Showen innehöll 268 gallerier från 32 länder, vilket gjorde det svårt för oss att välja en handfull konstverk till markera. Ändå är här ett urval av bitar som fångade vår uppmärksamhet av en eller annan anledning.
Varje år är det minst en storskalig verk som fängslar och i år trodde vi att det var den här av Ugo Rondinone. Konstnären är känd för eklektiskt arbete, ofta med popkonstreferenser och färger, men också för verk i stor skala som denna gjutna bronsträdskulptur.
Den schweiziskfödde konstnären arbetar i New York.
Kinas mest berömda konstnär kan vara mer känd för sina installationer – eller hans politiska och sociala aktivism – men han skapar också färgglada verk som detta självporträtt gjort i Legos. Självporträttet liknar de 176 porträtt han gjorde för sin show som heter Trace, med fokus på människor som han anser vara politiska fångar och samvetsfångar. Det pixlade utseendet är tänkt att framkalla övervakningsbilder.
Konstnären kämpade med Lego om "censur" när de inte ville sälja honom en massbeställning.
En annan färgstark pjäs var semi-abstrakt akryl och tyg collage på trä som kallas Tlazolteotl födande av Alexander Tovberg. Konstnären sägs smälta ihop sina drömmar, europeiska traditioner och religion för att komma på sina verk. Känslan av verket är svår att sätta fingret på och det skulle vara ett spännande arbete för ett hem eller kontor.
Tovberg är en ung dansk konstnär, född 1983.
När ditt utrymme behöver en rejäl dos färgglad neon, se till den amerikanska konstnären Beverly Fishman. Detta är hennes Untitled (Matsmältningsproblem), som är sammansatt av uretanfärg på trä. Hennes abstrakta verk är diskussioner om teknik och läkemedelsindustrin. Fishman är en artist-in-residence vid den berömda Cranbrook Academy of Art, där hon har undervisat sedan 1992.
Art in America kallade Fishman en "målare med en skulptörs oro."
I en blandning av konst och möbler är denna skulptur av danskfödde Carl Mannov tänkt att väcka eftertanke och diskussion. Från en serie som heter "Feeding Grounds" är det en statement-skulptur gjord av ett skrivbord, tidningar och al. För att bli rätt uppskattad behöver denna skulptur ett större utrymme där den kan stå solo och betraktas.
Många verk vi såg var också sociala och politiska uttalanden.
Detta fluffiga verk är tillverkat av handtuftad ull av Caroline Achaintre, som arbetar i ett antal medier, inklusive textilier, keramik, tryck och akvareller. Det är ett mycket taktilt verk som färgstarkt – liksom många av hennes verk – som skulle ge liv och struktur till en stor vägg. Achaintres verk är tänkta att frammana karnevalens anda och har kallats "samtidigt lekfulla och absurda."
Den här konstnärens verk inkluderar väggbonader av ull, teckningar och målningar.
Skulptören Charles Harlan citerades i en bok som sa att "duma föremål kan bli konstverk bara genom att flytta dem någonstans." Konstnären borde känna till, eftersom hans verk fokuserar på vardagliga, industriella föremål som han omformulerar i ett nytt sammanhang. Detta verk, kallat Pallets, är sammansatt av sten, trä, stål och plast. Även om dessa föremål var för sig är vardagliga, bildar de tillsammans en spännande, men provocerande sammansättning.
Galleri rodolphe janssen presenterade Harlans skulpturer.
Den sena italienska konstnären Dadamaino – som egentligen hette Eduarda Emilia Maino – skapade detta socialt laddade verk. Som ett socialt uttalande är det tyvärr lika relevant idag som det var dagen då det skapades. Att välja att visa den här typen av konstverk är ett sätt att uttrycka en social åsikt och kanske provocera fram samtal med gästerna som besöker ditt hem.
Den milanesiska avantgardekonstnären var mest känd för sina svartvita verk.
Denna stora väggskulptur av Daniel Buren är grafisk och dramatisk, typisk för konstnärens verk. Buren var stor i Paris på sextiotalet och utmanade konventionella föreställningar om var konst kan ses, skriver Artsy. Han slutade smärta och började klistra vertikala ränder på alla möjliga strukturer över hela staden. Detta är hans Daniel Buren Polychrome High Relief, en aluminiumskulptur som skulle passa bäst i ett modernt – och stort – utrymme.
Sett från olika vinklar ändrar verket sitt utseende.
Vi kunde inte låta bli att tänka på fjärilarna och insekterna vi fångade och fäste när vi var barn när vi såg alla dessa nålar. Elliott Hundleys collage innehåller hundratals bilder tryckta på rispapper tillsammans med andra material. Detta arbete innehåller några knappar och snäckskal. Hundleys verk sägs vara inspirerat av grekiska pjäser. Vi skulle hänga den här i ett vardagsrum eller arbetsrum, någonstans kunde vi se det hela tiden. Vi kan inte föreställa oss att vi någonsin tröttnar på att undersöka verket, hitta olika bilder och element, var och en med olika betydelser.
Hundleys collage är flerdimensionella.
Detta sidoperspektiv ger en bra bild av alla stift som används i pjäsen.
Fausto Melotti var känd för sina surrealistiska skulpturer, som denna som heter Contrappunto XI. Den bortgångne italienske skulptören arbetade med alla typer av material inklusive metall, tråd, gips, keramik och trä. Det lilla verket har viktlösa små former arrangerade för att hänga i harmoni. Det är en lugnande liten skulptur som också är lekfull med sina små metallkulor och trådar.
Några av formerna speglar artistens intresse för musik.
Denna antropomorfa skulptur var ett stort dragplåster. Francesca DiMattios Boucherouite V, är ett glaserat porslin och stengods som ser ut som en figur, men som egentligen inte är det. Hennes verk bygger bland annat på renässans- och gotisk arkitektur samt spets- och quiltmönster. Tittarna fortsätter att cirkla runt skulpturen, förväntar sig att hitta ansiktet, letar efter framsidan av verket, men det är inte där. Mycket spännande.
Detta verk, presenterat av Salon 94, har titeln Boucheroute V.
Alla typer av neonkonst kunde hittas på Art Basel, men den här var spännande i sin enkelhet. Décrochage n°8 av François Morellet är sammansatt av akrylfärg på duk på trä. Morellet arbetade med minimal och konceptuell konst, var viktig i utvecklingen av geometrisk abstrakt konst. Neon var hans val av material. Enligt Artsy sa Morellet att "Vi brinner för moderna material som ännu inte hade "förorenats" av traditionell konst. Vi gillade särskilt allt som kunde producera rörelse eller ljus.”
Den franske konstnären var en viktig figur inom konsten med början på sextiotalet.
Haegue Yangs hängande fasetterade boll är fantastisk inte bara för sin glans och form utan för de fantastiska skuggorna den kastar på väggarna. Detta är den perfekta biten för ett minimalistiskt utrymme med tillräckligt med vanligt väggutrymme för att låta skuggorna göra ett uttalande. De dubbla kopparkanterna skapade intressant geometri på väggen som upprepas inom var och en av fasetterna.
Vem behöver väggkonst när man har fantastiska skuggor som dessa.
Ett annat hängande hänge vi upptäckt är detta namnlösa verk av Jorge Pardo. Skulpturen av pulverlackerad aluminium, inkluderar lampor som hänger från en kurvig sapele trähängare. Kanske lockades vi till dem eftersom de i huvudsak är konstnärliga belysningsarmaturer av denna kubansk amerikanska konstnär, vars verk förenar konst och design. Det är ett fantastiskt konstverk som fungerar som en underbar ljusarmatur.
De dämpade färgerna är lågmälda och sofistikerade.
En av funktionerna i Art Basel varje år är Kabinett, som gör det möjligt för gallerier att presentera en individuell konstnär i sina bås i ett speciellt avgränsat utrymme. Zeno X Gallery innehöll Kim Jones och en mängd av hans verk, inklusive detta skjortbaserade verk. Jones började som performanceartist med alter ego Mudman, en shamanliknande resande. Han kakade sig i lera och andra ekologiska saker och dök upp på olika offentliga platser i Los Angeles. I New York sedan 1980-talet fokuserar Jones på teman relaterade till krig.
Att använda ett oväntat föremål som en duk är alltid intressant.
De intrikata detaljerna i teckningen är häpnadsväckande.
Om du vill satsa på något stänkande och färgglatt, prova Maryam Haddads Le Parapluie Jaune. Oljemålningen är egentligen en triptyk, och har en nästan abstrakt impressionistisk känsla. Du kan bara urskilja den unga kvinnan och titelns gula paraply. Det är en glad pjäs som skulle lysa upp vilket utrymme som helst.
Det här påminner oss om Renoirs picknickmålning.
Kanske är det krullen, eller kanske är det träet, men vi älskar dessa väggdekor av norsk konst Matias Faldbakken. Han använder "traditionella vandaliseringshandlingar och dess material" för att skapa estetiska former, säger Artsy. Han är kanske mest känd för sitt arbete med svart tejp i en nick till graffitikulturen, men också för en serie med soppåsar dragritningarna i svart tusch på mörka plastpåsar. Dessa väggdekor verkar mindre kaotiska och har en mer lugnande estetik.
Faldbakken har skapat många tredimensionella vägginstallationer.
Det är fantastiskt att du kan hitta verk av Picasso tillsammans med samtida verk på Art Basel. Det är faktiskt en av glädjeämnena. Vi måste beundra och lyfta fram det här verket och även om vi aldrig hade råd med en Picasso, är det fint att begrunda verket och drömma om att sätta det på väggen i vardagsrummet.
Vad mer kan man säga om sådana mästerverk som inte redan har sagts.
Mixed media bitar är en favorit, och sammansättningar som denna är särskilt intressanta. Brasiliens Rodrigo Bueno är mest känd för sina möbler som är utsmyckade med naturliga material. Här har han dock förvandlat en tavla på samma sätt. Med titeln Maria Quechua Kaiapó, är det ett bra exempel på hans användning av stadsavfall för att skapa sin konst och den innovativa användningen av material i uttryck. Återigen är det ett suggestivt stycke och full av mening.
Buenos studio heter Mata Adentro, vilket betyder "djungeln inuti."
Monokrom men ändå rik på textur, ljus och skuggor, detta verk är av Rosemarie Trockel, en tysk surrealistisk konstnär. Hon är känd för kontroversiella stycken som tar upp ämnen som sexualitet och kultur, som hennes maskingjorda balaklavas sportsymboler. Detta stycke är dramatiskt och dominerande, även med sin blygsamma storlek.
Att installera detta på en mörk vägg skulle öka dramafaktorn.
Obreros gör ett stort socialt såväl som konstnärligt uttalande.
På avstånd såg detta ut som en varelse som flyger eller en kvinna som vecklar ut sin cape, men en närmare granskning avslöjar att utelämna mycket olika: En konstfull konstruktion skapad av pappershattar som används i storkök. Skapad av den mexikanska konstnären Tania Candiani, Obreros, är ett stort och dominerande verk som är en viss samlingspunkt. Candianis webbplats noterar att hon är intresserad av skärningspunkten mellan språksystem, ljud och teknikens logik, men med "viss nostalgi för det föråldrade." Verket är också ett starkt socialt uttalande eftersom det använder pappershattar från ett amerikanskt företag som är känt för att anställa illegala invandrare och behandla dem dåligt.
En närmare titt på papperskåporna som används i Candianis verk.
Ett annat verk av Ugo Rondinone väckte vår uppmärksamhet för sina flödande linjer och sättet det framkallar rörelse, precis som några av de italienska mästarna som ristade i marmor. Kvinnans bål förstärker känslan av en virvlande virvel, när hon spiraler uppåt, halvt förtärd av spiralen. Till skillnad från det massiva trädet vi inkluderade tidigare, skulle den här biten passa i de flesta hem!
Den schweiziska konstnären representerade sitt hemland på den 52:a Venedigbiennalen.
Yayoi Kusama är mest känd för sina prickiga pumpor och nu hennes mycket Instagramade Infinity Rooms. Yayoi Kusama har också skapat en stor volym av mindre verk, som det här. Verket kallas Shooting Star in Summer och skapades 1988 av akryl, syntetfiber och plast. Materialen är sammansatta i en målad trälåda. Att använda ljusrött som dominerande färg för en stjärnmiljö är oväntat och karakteristiskt för Kusamas verk.
Kusamas avantgardistiska stil ser ytterligare en ökning i popularitet.
Utsmyckad i ett tryck som påminner om textilier med batiktryck, tar sig nigerianskfödda Yinka Shonebare an politisk och social historia kopplad till postkolonialism och globalisering. Artsy noterar att Shonebare, som är medlem av det brittiska imperiets mest utmärkta orden, använder ikoniska bilder men med en lekfull touch. De färgglada skulpturerna gör flera uttalanden och kommer att vara en definitiv konversationsstartare.
Shonebare är känd för sina figurer klädda i batikmönster.
Så mycket konst, så lite tid. Det är så vi känner för Art Basel varje år. Kreativiteten och fantasin koncentrerad på en plats kan vara överväldigande, men en sak är säker: Det finns något för alla på denna fantastiska konstmässa.
Om du gillar vår sida, dela gärna med dina vänner & Facebook
